Estimados seguidores de la música de Jaimina Johnston:
Estamos de enhorabuena porque ya tenemos aquí el nuevo álbum de nuestra artista a capella favorita.
Se titula "Bihotz bihotzez", que quiere decir en euskera algo así como "de todo corazón" y es el disco largamente anunciado con canciones íntegramente en euskera.
El euskera es un idioma muy querido por Jaimina Johnston ya que sus raíces familiares por parte de madre son del País Vasco como ya hemos comentado alguna vez.
Aún no hemos podido escuchar el álbum entero, pero tenemos ya el listado de canciones:
1. Aitaren etxea
2. Iru txito
3. Neskatx ederra
4. Bizkaia maite
5. Eguzkia mendien ostetik
6. Segalariak
7. Txoriak txori
8. Soule
9. Aldegin nahia
10. Aitak eta amak
11. Gure Marijaia
12. Maitia nun zira
13. Txanton piperri
14. Sagastipean
Se trata de una colección de canciones diversas, unas tradicionales, otras modernas; algunas son versiones traducidas al euskera y otras son canciones con música original del grupo sobre poemas en euskera ("Aitaren etxea" y "Eguzkia mendien ostetik").
En resumen, hay un poco de todo.
También se incluyen un puñado de temas ya publicados previamente en otros álbumes de Jaimina ("Gure Marijaia" y "Segalariak" aparecieron ya en "Mystic Tree" y "Maitia nun zira" en Jaiminology). El caso de "Aldegin nahia" es especial porque se trata de una versión de un tema precioso de la gran Joni Mitchell: "Urge for going", pero traducido al euskera y armonizado a cuatro voces. Apareció en el álbum "So little time" hace ya más de una década, pero ahora publican una nueva grabación.
Os dejo los vídeos que han aparecido a modo de adelanto del disco y espero próximamente poder subirlo entero para que lo podáis escuchar.
"Bizkaia Maite", canción escrita por Benito Lertxundi, versión rearmonizada por Jaimina Johnston & Group
"Aitaren Etxea". Música compuesta por Jaimina Johnston & Group sobre un poema de Gabriel Aresti.
"Gure Marijaia". El tema clásico de fiestas de Bilbao compuesto por Kepa Junkera, con letra de Edorta Jiménez, armonizado a cuatro voces por Jaimina Johnston & Group.
Se trata del hasta la fecha último trabajo de la cantante y su grupo, titulado "Beating Heart". Esta es la portada.
Se trata de un disco diferente porque son temas propios, no versiones, y porque en la gran mayoría de los cortes las voces están acompañadas por instrumentos. La variedad de estilos es enorme, como es habitual en la música de nuestra artista favorita, pero no voy a contar nada más, vamos a dejar que la propia Jaimina y su grupo nos lo cuenten, para lo cual nos han pasado las siguientes notas, canción por canción:
El álbum se estructura en dos partes que son complementarias:
CARA A: JAIMINA TERRENAL
1- Lo que tú quieres (5:49)
Es un tema de baile muy pegadizo, con una letra sorprendente, muy divertida, con una visión irónica sobre la búsqueda del amor perfecto. El acompañamiento instrumental es todo de sintetizador. La estructura es compleja con una parte central con un solo de sinte sobre un fondo de voces grabadas de una conversación casual en la calle sobre el tema, y una parte final en la que se recobra el motivo central pero se cambia la armonía, inspirado en algunas cosas de Prince.
2- One fine day (3:07)
Nuestro tema icónico LGTBI, una canción muy melódica que nos habla sobre la esperanza de que llegue un buen día en que no se mire mal a nadie por su orientación sexual. Entra en escena nuestro querido piano eléctrico de Jaimina y algunas gotas de música soul en el acompañamiento.
3- Rafaelito Blues (4:05)
Recuperamos un viejo estándar de jazz y le ponemos letra (al más puro estilo de los cantantes de vocalesse, nota por nota), en un homenaje abierto y nostálgico al armonicista que inspiró el tema.
4- Amnest di borg (4:38)
Con este precioso tema, que es sin duda uno de nuestros favoritos, hemos cumplido un viejo sueño que teníamos: escribir una canción en un idioma inventado. Hemos invertido muchas horas en escribir algo que sonara de forma coherente y creemos que lo hemos conseguido. La melodía la hemos sacado de un viejo tema del grupo y tiene por lo menos 30 años pero nunca la habíamos publicado antes. En la segunda parte entra una guitarra eléctrica que hace una base armónica sobre la que vamos añadiendo capas y más capas de voces en un efecto verdaderamente hipnótico.
5- A pesar de todo (4:46)
También una canción muy antigua del grupo a la que le hemos puesto una letra super-romántica. La intensidad va in crescendo a lo largo de la canción y el climax llega tras un hermoso solo de saxofón. Esta canción cuenta con algunas de nuestras armonías más complejas.
6- Una corazonada (3:46)
Esta canción era originalmente una habanera a 4 voces sobre el mar y en algún momento se convirtió en una pequeña suite con violines, harpas y una sección de viento, contándonos una historia muy emotiva sobre la vida de los marineros pero contada desde la perspectiva de los familiares que se quedan en tierra esperando su regreso.
CARA B: JAIMINA CELESTIAL
7- Hoy se vienen a casar (1:47)
Es un himno de boda que compusimos hace ya 7 años y está escrito para ser interpretado en una iglesia con voces y órgano para el momento de la entrada de los novios.
8- Pater Noster (1:31)
Es nuestro Padrenuestro particular, a capella, con un estilo difícil de encuadrar, con una métrica y una armonía muy libre, haciendo uso de los melismas vocales que nos hacen evocar tiempos muy lejanos, pero trayendo el sonido a nuestros días y consiguiendo un efecto muy zen, muy relajante.
9- Oh my Lord, come sweet Lord! (3:51)
Esta y la siguiente son canciones que escribimos, música y letra, para un concurso de composición pero nos gustaron tanto que nos las quedamos para nosotros. Se pueden interpretar tanto a capella como con un grupo pequeño de gospel, como hemos hecho en este disco. Oh my Lord es una elegía que habla desde la desolación más absoluta ("Señor, mis pies están helados, mis manos tienen llagas, mis amigos han muerto"...) intentando encontrar un rayo de esperanza en la vida eterna que nos espera en el cielo ("Señor, demuéstrame que el cielo no está tan lejos").
10- In the house of Jesus (2:16)
Aquí el gospel se hace rítmico y divertido, y el mensaje se convierte en optimista. Con un ritmo sincopado irresistible y una mirada naif se nos van describiendo las maravillas que nos esperan "en la casa del Señor" "si no caemos en la tentación". Para este tema nos hemos inspirado mucho en el álbum "Amazing grace" de la gran Aretha Franklin.
11- Señor, llévame pronto (4:25)
Y cerramos el álbum con esta obra a capella inclasificable. La voz de Jaimina nos va llevando a través de la frustración de una persona incapaz de adaptarse a las novedades de nuestro tiempo. En una crítica de ida y vuelta, todos los totems de la "modernidad" van cayendo despedazados: las redes sociales, los tatuajes, la moda, la cocina de autor... Esta obra comienza ya con una armonía oscura pero a lo largo de los compases los arreglos vocales van haciéndose más y más complejos y el tono se va haciendo más y más lúgubre hasta terminar en una coda final terrorífica. Un broche de oro para el álbum que no dejará a nadie indiferente.
Hasta aquí las canciones que hemos subido a Spotify, pero el álbum original tiene además un bonus track, que es una canción mítica del grupo en la que Jaimina no canta, que es el "Himno de la CENORA".
Queridos seguidores de este blog y amantes de la música vocal:
Comenzamos este nuevo año con una auténtica explosión de novedades sobre nuestra cantante favorita, la inigualable Jaimina Johnston.
Por un lado nos han anunciado por fin la próxima aparición de la música de la artista en la plataforma Spotify. Se trata en este caso de uno de sus álbumes más emblemáticos: "Beating Heart", el último disco oficial del grupo, un disco diferente a otros al ser un álbum con acompañamiento instrumental y con canciones 100% propias.
Esperamos que el acceso a Spotify permita a una nueva generación de oyentes conocer por fin a esta gran artista.
Por otro lado, nos informan que ya está muy cercana la publicación del próximo disco, que se tratará de un álbum a capella de música exclusivamente en euskera. Su título provisional es "Bihotz bihotzez", que viene a querer decir "de todo corazón" y es una aproximación muy diversa y original a la música coral vasca.
También para 2023 se espera la publicación de otro disco más, cuyo título podría ser "En el quicio de la mancebía" y es un álbum con versiones a capella de algunas de las canciones más famosas del género musical de la copla.
No contentos con todo esto, nos han contado que Jaimina Johnston ha comenzado a escribir sus memorias. No nos podemos ni imaginar el poder leer de primera mano las vivencias de una personalidad tan especial como la de Jaimina Johnston, con una carrera musical que se extiende ya a lo largo de más de seis décadas, el poder conocer desde dentro su forma de entender la música y por qué no, su visión de la vida.
Este verano me he dado una vuelta por tierras valencianas y me he encontrado con esta agradable sorpresa, un grupo de 4 jóvenes cantantes valencianos que forman un grupo a capella llamado Melomans.
El grupo lo forman Edu Escartí, Javier Reig, Pau Ferrer y Gonzalo Manglano. Aparte de su gran calidad como cantantes me ha sorprendido la enorme variedad de estilos que abordan. Descubro ahora además que tienen un catálogo de vídeos en youtube muy extenso y de lo más variopinto, donde destacan las versiones a capella de clásicos del pop de toda la vida, con un repertorio que me recuerda bastante al de mi adorada Jaimina Johnston, especialmente en su último álbum "De cada década".
Aquí tenéis su versión del "Quisiera ser" del Dúo Dinámico, con la aportación de Erik Bosio.
Su estilo es bastante cercano al barbershop, aunque parece que todos ellos tienen además formación músical académica y sus grabaciones tienen también mucho sabor a jazz. Como otros grupos a capella como Bvocal, han presentado su música en directo con una propuesta basada en el humor y llevan ya varios años en escena. También hay que destacar su paso por el talent show AcapelA de Movistar, en el cual quedaron semifinalistas.
Sus vídeos están muy cuidados, como esta preciosa versión que hacen de "Alfonsina y el mar".
Pienso que es una lástima que su fama no haya trascendido las fronteras de su región porque ciertamente el grupo lo merece. He estado viendo casi todos sus vídeos y tanto las voces y la selección del repertorio como los arreglos musicales son de primera categoría.
Aquí os dejo también un vídeo con una entrevista a los miembros del grupo.
Ya os habréis dado cuenta de que por fin tenemos disponible en este mismo blog un nuevo álbum de Jaimina Johnston, y nada menos que un álbum doble.
No se trata sin embargo del largamente anunciado "Beating Heart", el disco con temas originales del grupo que hemos comentado a principios de este mismo año y del que hemos visto algún vídeo en el canal oficial de Youtube de Jaimina.
No, "Memorias del Confinamiento" es un disco al más puro estilo Jaimina Johnston, con versiones a capella de temas de lo más variopinto, desde pop hasta polifonía renacentista, pasando por canciones de rock, de teatro musical, boleros, copla, un poquito de impresionismo... En fin, fiel a su estilo, el grupo nos propone una colección de lo más ecléctica y os preguntaréis ¿qué es lo que une a todas estas canciones?
Pues simplemente se trata de una colección de todas las canciones grabadas por el grupo durante el periodo del confinamiento del 2020 por el dichoso COVID y como veréis, ese periodo de confinamiento ha dado ciertamente para mucho, ya que el álbum consta nada menos que de 20 canciones.
Destacar alguna sobre las demás ya depende más del gusto personal que tenga cada uno, porque el nivel es muy similar y en mi opinión a nivel de calidad de arreglos y voces es de lo mejorcito grabado nunca por la artista.
De entre mis favoritas traigo la versión del "Resistiré" del Dúo Dinámico, que me parece irresistible y "Madrecita del Alma" de Antonio Machín, que resulta verdaderamente entrañable y son los dos cortes que se han publicado en Youtube, pero os recomiendo que no os perdáis el resto del álbum, donde encontraréis versiones de Mecano, Queen, Francis Cabrel, Manuel Alejandro, Adriano Celentano, Luis Eduardo Aute, Aitana, Morat, de la película "La La Land", del musical "Annie" y muchos más.
Estimados lectores, retomo este blog que tenía algo olvidado para recomendaros una obra de teatro musical que pude disfrutar ayer en Bilbao. Se titula "En tierra extraña" y en ella se recrea un encuentro que nunca tuvo lugar entre el gran poeta Federico García Lorca y una de las más grandes cantantes de copla como es doña Concha Piquer. El encuentro se completa con la figura de Rafael de León, un personaje clave de la copla española, responsable de la letra de tantas y tantas coplas inolvidables.
Me ha gustado mucho la obra, pero sobre todo la idea que lleva detrás, que es muy interesante a varios niveles que están interconectados. La figura controvertida de Concha Piquer es el eje central de la obra, con todo su talento enorme de cantante y su historia personal de superación, pero también con algunas referencias a su carácter, que siempre se ha descrito como maniático, algo despótico y pesetero.
Por otra parte, las figuras de Federico García Lorca y de Rafael León introducen el tema de la amistad y el amor entre hombres, la moralidad de una época en la que debían esconderse y la amenaza de la Guerra Civil y el régimen franquista que llegaría después.
Finalmente la obra es una reivindicación de la copla, un género musical del que ya hemos hablado en este blog que vive ahora un fenómeno de redescubrimiento por parte de los nuevos creadores, que están de alguna forma recuperando del olvido todas aquellas canciones que entusiasmaban a sus abuelos y abuelas.
Diana Navarro debuta como actriz de teatro, aunque tampoco es algo tan nuevo para ella porque ya hizo alguna película y toda actuación como cantante conlleva una interpretación sobre el escenario. Quizá le falten algunos recursos de actriz, pero le sobran como vocalista, con esos fraseos interminables marca de la casa que parece que no necesitara respirar.
La reinterpretación que hace de canciones eternas de la Piquer como "Ojos verdes", "En tierra extraña" o "Tatuaje" fue justamente ovacionada por el numeroso público. Su compañero de escena Alejandro Vera compone un Federico García Lorca muy interesante, con mucha presencia y muy buena voz, mientras que Avelino Piedad en el papel de Rafael León aporta una vis cómica perfecta en sus réplicas. Juntos interpretan la copla "A la lima y al limón" en lo que para mí es el mejor momento de la función.
En conjunto la obra está muy bien y recomiendo mucho verla, aunque el asunto daba para bastante más, lo mínimo para una miniserie de TV de varios capítulos, a ver si alguien se anima a hacerla, porque la obra de teatro toca muchos temas y al final no puede evitar quedarse un poco en la superficie.
Mientras tanto nos llegan noticias de que uno de los nuevos proyectos de nuestra artista favorita Jaimina Johnston pudiera ser un disco todo de canciones de copla. Esperemos poder disfrutarlo algún día.
En estos días tan inciertos nos solidarizamos desde este blog con el pobre pueblo ucraniano enfrentado ahora mismo a una guerra causada por un dictador enloquecido por sus ansias de poder.
Sirva de homenaje la versión a capella del himno de Ucrania interpretada por nuestra artista fetiche Jaimina Johnston.
Shche ne vmerla Ukrayiny i slava, i volia (Ще не вмерла України і слава, і воля, «Ni la gloria ni la libertad de Ucrania han muerto todavía»), es el himno nacional de Ucrania. La música fue compuesta en 1863 por Mikhaylo Verbitski y la letra fue escrita por Pavlo Chubinski.
En 1917, el himno fue adoptado en la República Popular de Ucrania y en 1992, tras la independencia de la Unión Soviética, la nación readoptó el himno con alguna modificación de la letra.
Mikaylo Verbitski
Pavlo Chubinski
Ojalá que Ucrania pueda recuperar pronto esa libertad a la que alude su hermoso himno nacional.
Estimados seguidores de este blog, que no termine el año sin que os extienda unas líneas para agradeceros una vez más vuestra presencia ahí, al otro lado de la pantalla y para desearos de todo corazón unas felices fiestas y que este año que comienza os traiga toda la felicidad del mundo y os permita cumplir todos vuestros deseos de felicidad.
Y como no podía ser de otra manera, vamos a celebrar las navidades escuchando una pequeña joya de nuestra artista fetiche Jaimina Johnston.
Se trata de una canción originalmente publicada en la voz del gigante de la música Stevie Wonder allá por 1968 que se titula "The day that love began" y cada vez que la escucho no puedo evitar emocionarme hasta las lágrimas.
La canción, escrita por Ron Miller y Deborah Wells, cuenta la historia de un pastorcillo que se acerca humildemente hasta el portal de Belén para ofrecerle al Niño justamente todo lo que tiene y es un canto a la grandeza que reside en las cosas pequeñas.
En la voz de Jaimina, interpretada a capella con su inseparable grupo, este tema, incluido en su penúltimo álbum, titulado "Memorias del Confinamiento vol 1 y 2", adquiere una nueva dimensión que me encanta.
Hoy día 3 de diciembre es el día internacional del euskera y qué mejor forma de celebrarlo que escuchando una nueva canción publicada para la ocasión por nuestra artista favorita.
Se trata de un poema de Gabriel Aresti titulado "Aitaren Etxea" ("La casa del padre") al que Jaimina Johnston y su grupo han puesto música y voz.
Una obra de una impresionante belleza que es un avance del próximo disco de Jaimina Johnston, que al parecer se va a titular "Bihotz-bihotzez" ("De todo corazón").
No tenemos fecha de lanzamiento del disco pero sin duda estamos deseando escuchar el resto de las canciones.
Estimados lectores de este blog, hoy os traigo este vídeo que es un auténtico regalo para todos los seguidores de la gran Jaimina Johnston. Se trata de un repaso cronológico de la carrera discográfica de la cantante, con las portadas de cada uno de los álbumes, título y año de su publicación, y de fondo uno de los temas más emblemáticos del último disco de la artista "Beating Heart".
El tema en cuestión se titula "Amnest di borg", que lo traducen algo así como "atrapa el tiempo" y no os molestéis en intentar adivinar el idioma en el que está interpretado porque se trata de una lengua totalmente inventada por el grupo de Jaimina Johnston, algo que nos deja completamente sin palabras.
A mí personalmente me produce una mezcla de nostalgia y de vértigo mirar hacia atrás y ver lo que han dado de sí estos últimos 14 años de la carrera de la artista, con todas las preciosas portadas que nos traen tantos recuerdos de tanta buena música.
Hoy, aprovechando que estamos en junio, que es el mes de las reivindicaciones del mundo LGTBIQ+ por excelencia, vamos a hablar de algo que me intriga mucho. ¿Por qué determinados cantantes son elegidos por el mundillo gay para convertirse en sus ídolos?¿Y por qué otros no? Hoy intentaremos responder a la primera pregunta porque la segunda me parece todavía más complicada y la dejaremos para otro día.
Puede que el público no-gay no tenga en realidad ni idea sobre qué estoy hablando, pero para los gays hay determinados cantantes que se convierten en verdaderos iconos, y ojo que no hablo de que esos artistas se conviertan en abanderados o abanderadas de la causa gay, sino que es más bien al revés, son los gays los que elevan a ese artista a lo más alto y en algunos casos lo convierten casi en un dios (o diosa) y cuidado con criticarlos porque los defenderán con su vida si es preciso.
¿Qué características son las que reúnen estos cantantes para ser "escogidos" por el público LGTBI de entre los demás millones de artistas? Eso es lo que voy a intentar contestar humildemente en este post.
Pero lo haré a través de ejemplos, así que tras muchas horas de reflexión os traigo lo que a mí entender me parece que son...
...¡MIS DIEZ ICONOS GAYS DEFINITIVOS DEL MUNDO DE LA CANCIÓN!
(y no, no incluiré en esta lista a mi adorada Jaimina Johnston)
1. MADONNA
Por supuesto, Madonna, idolatrada desde los años 80 por el gran público, en los últimos años ha ido perdiendo algo de gas en los medios, pero para el público gay siempre ha trascendido su personaje como algo más. Las razones son múltiples y lo cierto es que Madonna lo tiene todo para triunfar entre el público gay, reuniendo varias de las condiciones que se han argumentado a menudo para ello:
-Ser una mujer fuerte, con mucha personalidad
-Escapar del convencionalismo
-Conceder mucha importancia en su carrera a la imagen, con todos esos cambios de look que crean tendencia
-Crear videos transgresores, en los que se mezclan asuntos aparentemente opuestos, como sexo y religión (ese "Like a player" por ejemplo)
-Estar siempre muy atenta y muy influenciada por la estética gay (como en el vídeo de la canción "Vogue")
-Defender activamente la causa LGTBI.
Todas estas cosas y su música, que es música básicamente de baile y de fiesta, pero que tiene también muchas veces un mensaje transgresor detrás (como en "Like a virgin" o "Papa don't preach"), son las que la convierten en un icono gay más que evidente.
2. CHER
Desde luego, pero ¿por qué Cher?
Cher es una cantante no tan famosa en España, al menos hasta hace unos años, pero en EEUU es toda una institución y es probablemente la cantante más imitada por las drags queen de ese país.
La carrera de Cher es muy larga en EEUU y sus éxitos son numerosos, pero me parece que la trascendencia de su "personaje" desborda a lo que es propiamente su carrera musical.
Cher no solo es cantante, también es actriz y ha estado en la música, en el cine y en la tele prácticamente desde siempre. Su personaje es el de una mujer también fuerte, con un punto importante de rebeldía y además su estatura y su complexión le dan cierto aire andrógino, por no hablar de su gusto por la cirugía estética lo que la convierte en una mujer "realmente hecha a sí misma". Todo esto son cosas que al público gay le llegan (una persona que desafía lo convencional y llega a convertirse en lo que realmente siente).
Además es una activista gay y uno de sus hijos es transexual, pero yo creo que realmente la identidad sexual de los cantantes al final no tiene tanto que ver con el hecho de convertirse en iconos gays como los valores que transmite su imagen y su música. De hecho en esta lista adelanto que la mayoría son heterosexuales.
3. JUDY GARLAND
Aquí he tenido mis dudas porque Judy es un icono gay sin duda, pero un icono de otro tiempo y entre la gente de menos de treinta años realmente hay pocos que la conozcan.
Judy Garland es un icono en primer lugar porque es una cantante superlativa. Quiero decir que su talento como cantante es inmenso, sobre todo si nos fijamos en su capacidad de transmitir emociones, de coger una canción y hacerla suya, tan suya que difícilmente la podremos imaginar en la voz de otra cantante. Es lo que pasa con el estándar "Over the rainbow" de la película "El mago de Oz", una película que es en sí misma también un icono para el mundo LGTBI, en la medida que representa escapar de un mundo gris a otro mundo paralelo de color en el que las cosas son distintas y se acepta a los que son diferentes. En EEUU de hecho la expresión "ser amigo de Dorothy" llegó a ser un eufemismo de la palabra homosexual (en relación con Dorothy el personaje de la película interpretado por Judy Garland).
Judy Garland es una cantante de una intensidad tal que en cualquier otra artista la colocaría al borde de la autoparodia, pero de alguna manera ella consigue resultar auténtica.
Autenticidad, expresividad y por qué no decirlo, también su dramática vida personal y su prematura muerte la convierten en un mito eterno de la canción. Y si algo les gusta a los gays es una buena drama queen.
4. ABBA
Doy un triple salto con pirueta y voy de una diva de la canción de los años 50 al discotequero grupo sueco de finales de los 70.
¿Es ABBA un icono gay? Definitivamente sí. Las razones aquí comienzan a parecerme más oscuras, pero es un hecho ampliamente aceptado el particular éxito de la música de Agnetha, Anna-Frida, Bjorn y Benny dentro del mundillo gay.
Se me ocurre en primer lugar que mucha parte del mérito recae en la música en sí misma, unas canciones optimistas, bailables, en definitiva arrolladoras, que en aquellos años a pesar del gigantesco éxito comercial eran atacadas a muerte por los críticos, que veían sus canciones como muy infantiles, especialmente en cuanto a la simplicidad de sus letras.
Sin embargo, desde el principio los gays vieron algo en esas canciones, unas melodías y ritmos sumamente pegadizos, por no hablar de las formidables voces femeninas y el tiempo les ha ido dando la razón, porque hoy en día todas estas canciones son estándares y son himnos, y en aquel tiempo toda la crítica pensaba que su música no valía nada. ¿Sabíais que el grupo ABBA a pesar de vender millones y millones de discos jamás ganó ni un premio Grammy? (realmente los premios Grammy hoy en día no tienen ningún prestigio, pero en aquellos años sí lo tenían).
Y aquí es donde yo defiendo que el mundillo gay tiene un sexto sentido para detectar la calidad más allá de cualquier prejuicio, aunque se presente en una forma aparentemente alejada de la órbita LGTBI; al fin y al cabo ABBA lo forman dos parejas heterosexuales haciendo una música más bien blanca y para toda la familia.
Sin embargo, hay quien también señala que la imagen del grupo resultaba atractiva de algún modo para los gays, con la contraposición de dos mujeres fuertes junto a dos hombres más bien blanditos pero bastante adorables, y los cuatro con aquellos trajes tan brillantes y ceñidos.
Por supuesto, su gran hit "Dancing queen" también puede ser entendido como un guiño al público gay.
5. LADY GAGA
Stefani Joanne Angelina Germanotta es el verdadero nombre de esta cantante que es adorada por la comunidad gay ya del siglo XXI.
Lady Gaga es una artista con un talento innegable que a mí me parece que se ha esforzado muchísimo por llegar al estrellato. Compositora, cantante, actriz..., es de esas artistas que parece que son capaces de llegar a todo. En cierto modo, su carrera parece estar influenciada y seguir los pasos de otro de los iconos que hemos comentado anteriormente, que es Madonna.
Sus looks extravagantes contribuyeron mucho a darla a conocer, por una originalidad y un amor al riesgo que no pasaron inadvertidos para el público gay. Pero es su música sin duda la que la ha convertido en un auténtico icono gay, con canciones que apelan a formas no convencionales de amor, como "Poker face", "Bad romance", o a la autoafirmación de la propia personalidad, como "Born this way", que es todo un himno LGTBI.
La cantante además es una abanderada de la causa gay y hace campaña siempre que puede.
6. DIANA ROSS
La gran diva de la música Motown tiene una carrera con éxitos a lo largo de varias décadas y su prestigio como cantante está más que establecido en la historia de la música popular, pero para el mundillo gay Diana Ross siempre será algo más: la imagen del glamour. Sus looks han sido también imitados hasta el infinito por las drag queens de varias generaciones. Frente a la imagen fuerte que hemos visto de otros iconos gays como Madonna o Cher, Diana Ross propone la viva imagen de la femineidad. En su música también se refleja una fuerte influencia de la estética gay, sobre todo en los años 70 cuando se convierte en una diva del disco con canciones como "I'm coming out" que se convierte desde el principio en uno de los himnos gays por excelencia.
7. PRINCE
El genio de Minneapolis es también uno de los artistas favoritos para una parte importante de la comunidad LGTBI. Es curioso porque Prince es un personaje bastante contradictorio y a pesar de su imagen andrógina y el hecho de aparecer siempre maquillado y con looks realmente transgresores e hipersexualizados (sobre todo al principio de su carrera), lo cierto es que la temática de sus canciones raramente ha abordado la homosexualidad de una forma abierta y su nivel de activismo LGTB era nulo.
En mi opinión, si Prince tiene más éxito entre el público gay es simplemente por la falta de prejuicios; para muchos heterosexuales resulta difícil darle una oportunidad a un cantante con una imagen tan ambigua y una parte muy importante del negocio del rock es ofrecer una imagen muy masculina, tanto como objeto de deseo (para ellas) como sujeto con el que identificarse (ellos).
Por otra parte también es verdad que su música reúne muchas de las claves que suelen estar detrás del éxito de un artista entre el público gay, como el ser una música muy bailable, la imaginación desbordante, el gusto por el barroquismo, las letras con referencias sexuales atrevidas, etc.
8. BARBRA STREISAND
Ahora ya tiene casi 80 años pero en un tiempo Barbra Streisand lo fue todo en el mundo del espectáculo y era también adorada por el público gay. Mujer de fuerte personalidad, muy inteligente, polifacética y adelantada a su tiempo, actriz oscarizada, cantante sublime, directora de cine...
Musa del feminismo y musa también del mundo gay, la propia artista cuenta que en el comienzo de su carrera el público gay fue el que primero la aupó al estrellato.
Y recordar también esos looks fastuosos de los años 60, defendiendo un concepto de belleza diferente al que el mundo estaba acostumbrando.
9. MONICA NARANJO
Y ya pasando a territorio español, no podemos dejar de mencionar a la diva Mónica Naranjo, cantante portentosa, mujer de gran personalidad que tuvo que irse de su país natal a hacer las américas para poder triunfar porque aquí no comprendían su talento. Finalmente vuelve a España y su éxito es clamoroso, dime si eso no es la fantasía gay definitiva.
Adorada por la comunidad LGTBI, ella misma se declara bisexual, pero nos da lo mismo. Canciones como "Desátame" o "Sobreviviré" son la expresión misma de la lucha por el derecho a ser diferentes y la superación ante la adversidad.
10. ALASKA
Y cómo no, no podía faltar Olvido Gara, la gran musa de la movida, la artista que ha pasado por todas las épocas de la música pop en España sin perder un ápice de su personalidad, demostrando que no hay nada mejor que ser auténtica para no pasar nunca de moda.
Cuarenta y cinco años lleva cantando "A quién le importa", el himno gay por excelencia en España, aunque otros muchos temas de su larga carrera son también santo y seña de la comunidad gay, desde sus tiempos con Alaska y Los Pegamoides hasta la época actual con su eterno compañero en la música Nacho Canut formando Fangoria.
Lo sé, muchos artistas me he dejado en el tintero, pero solo podíamos poner diez.
Entre otros podíamos haber incluido a Elton John, George Michael, Freddy Mercury, Maria Callas, Cindy Lauper, Janet Jackson, Whitney Houston, Mariah Carey, Britney Spears,.. y en lengua española se me ocurren Lola Flores, Rocío Jurado, Raphael, Chavela Vargas... Todos y todas con razones suficientes para figurar también en esta lista.
Y me despido con mi adorada Jaimina Johnston, que también en su último álbum "Beating Heart" hace un guiño al público LGTBI con la canción "One fine day", una canción llena de buenos sentimientos y de esperanza en un día en el que los prejuicios serán cosa del pasado. Os dejo el vídeo.
Hoy traemos a este blog el Vocalese, una forma de cantar muy particular que consiste en poner letra a temas instrumentales de jazz. No resulta fácil cantar vocalese porque muchas veces son temas de be-bop con melodías muy complejas y notas muy rápidas así que interpretarlas correctamente y que la letra se entienda resulta todo un reto.
Eddy Jefferson es a menudo nombrado como el inventor del vocalese, aunque el propio cantante reconoce influencias de otros cantantes como Leo Watson o King Pleasure. En todo caso, las primeras formas de vocalese provenían de solos instrumentales conocidos de jazz a los que el artista les ponía letra, siempre de forma silábica (es decir una sílaba por cada nota, en contraposición al canto melismático en el que una misma sílaba ocupa varias notas). Era además muy habitual que la letra que se escribía sobre ese solo fuera un homenaje al instrumentista en cuestión, como por ejemplo en esta versión vocalese que hace Eddy Jefferson sobre el tema "Body and Soul" del saxofonista Coleman Hawkins.
Posteriormente la cosa se fue complicando más con la aparición de grupos que realizaban versiones vocalese de secciones instrumentales completas, es decir, vocalese a varias voces. Seguramente los representantes más conocidos de esta forma de hacer vocalese son el trío Lambert, Hendricks and Ross, cuyo primer álbum tuvo gran éxito haciendo versiones increíbles de temas de Count Basie.
Otros artistas habitualmente relacionados con el vocalese son Manhattan Transfer, de los cuales ya hemos hablado alguna vez en este blog, y en Europa Les Double Six o los Swingle Singers.
También solistas reconocidos en otros estilos como el añorado Al Jarreau, del que os traigo esta preciosa versión del tema "A remark you made" del grupo de jazz Weather Report. Un ejemplo de que no siempre el vocalese supone ritmo y velocidad, sino que también se puede aplicar a temas lentos como este, que cada vez que lo escucho acabo con la lagrimita en el ojo.
Nuestra artista favorita Jaimina Johnston también nos ofreció su particular e inconfundible visión del vocalese en esta versión del tema de jazz "Rafaelito Blues" de su último álbum "Beating Heart". En él Jaimina y su grupo han escrito sobre la música una letra evocando tiempos mejores y la pasión por la música en cualquiera de sus formas. Todo un lema al que nos adscribimos ahora mismo desde este blog.
En esta época extraña que nos ha tocado vivir hay que aprovechar cualquier momento para hacer una celebración. Hoy primer domingo de año se celebra tradicionalmente en España el Día de la Madre.
Algunos dirán que solo se trata de una estrategia comercial para que gastemos nuestro dinero en regalos del Corte Inglés, pero quien más y quien menos, todos sentimos este día la punzada nostálgica por aquella madre a la que nos gustaría tener siempre cerca de nosotros.
Nuestra artista fetiche Jaimina Johnston realizó esta preciosa versión a capella, como no podía ser de otra forma, que aparece en el disco "Memorias del confinamiento Vol 1 y 2" publicado el año pasado y al que tan poca difusión se le ha podido dar.
El precioso vídeo viene acompañado de unas espectaculares imágenes de flores en timelapse que seguro que os gustarán.
La canción "Madrecita del Alma" es un bolero clásico compuesto por el cubano Osvaldo Farrés, autor de muchos otros boleros inolvidables. En el siguiente link podéis leer la historia completa sobre cómo se creó la canción.
La versión más famosa es por supuesto la interpretada por el gran Antonio Machín, cantante cubano de extraordinario éxito sobre todo en España, con canciones que son clásicos como "Dos gardenias", "Manisero" o "Angelitos negros", que conforman en cierto modo la banda sonora de los años 50-60 en España (de Angelitos Negros también hizo una bonita versión Jaimina Johnston en su álbum "Brotes Verdes").
La forma de cantar de Antonio Machín, acompañado de sus dos sempiternas maracas, resulta única e inconfundible, aunando delicadeza y seguridad en un estilo tan relajado como sentimental.
El reciente fallecimiento del compositor Antón García Abril me ha traído inolvidables recuerdos de algunas de sus composiciones más celebres, especialmente aquellas ligadas a programas de televisión de nuestra infancia.
Estoy hablando de genialidades como la sintonía de "El hombre y la tierra", "Curro Jiménez" o "Anillos de oro" por citar unas pocas.
De la primera, una combinación trepidante de música tribal a ritmo de 5/4, hasta tenemos una versión a capella de nuestra artista favorita Jaimina Johnston, que apareció incluida en el álbum "Back to EGB".
Pero también recordaremos a otro personaje mítico de nuestra infancia, el inefable naturalista Félix Rodríguez de la Fuente, cuyo fallecimiento cumplió el pasado 14 de Marzo la friolera de 31 años y parece que fue ayer cuando se metía en nuestras casas para hablarnos del lirón careto o del desmán de los Pirineos.
En esta foto tenemos a los dos juntos:
Cuando falleció Félix Rodríguez de la Fuente fue toda una conmoción nacional, y el dúo musical especializado en público infantil formado por Enrique y Ana le dedicó una canción homenaje que nos sabemos todos los españoles de mi edad.
Y sí, también hay una versión a capella de ese tema en el disco "Back to EGB" de Jaimina Johnston.
Ahora que se cumple un año del inicio del confinamiento por el COVID en toda España, volvemos a recordar algunos de los vídeos musicales que nos amenizaron esos largos días.
Parece que el encierro estimuló la creatividad de todos los músicos y surgieron vídeos por todas partes que pronto se hacían virales y llegaban a los móviles de todo el mundo.
De todos ellos voy a destacar dos temas: uno es el "Volveremos a brindar" de Lucía Gil, una artista joven que proviene de la televisión y del teatro musical y que compuso y publicó esta canción a pocos días de comenzar el confinamiento y que se convirtió en un auténtico himno.
Es escuchar las primeras notas y parece que vuelve uno a aquellos días en los que sonó por todas partes...
Y el otro tema, como ya imaginaréis es el "Resistiré" del Duo Dinámico, que ya era un tema conocido previamente, pero que ha multiplicado su popularidad hasta niveles insospechados, ya no solo en la versión original de los legendarios Manolo de la Cal y Ramón Arcusa, sino también en innumerables versiones que se han hecho de este tema en el último año.
De entre todas las versiones me quedo, por supuesto, con la original del Duo Dinámico...
...pero también voy a recordaros la simpática versión de la Infanta Elena de Borbón...
Y como no podía ser de otra forma, la que es para mí la versión definitiva, la de Jaimina Johnston, versión jazz a capella, perteneciente al álbum "Memorias del Confinamiento Vol1 y 2" grabado por la artista a lo largo del año pasado. Esperamos poder comentar el álbum completo próximamente.
No tengo palabras para disculparme por haber estado casi 3 años sin publicar ni una mísera entrada.
Hoy entro de nuevo y compruebo con gran sorpresa que el blog no solo no está muerto sino que tiene más lectores que nunca. Ver para creer.
Pero no os voy a aburrir con mis asuntos sino que os voy a contar que la incomparable Jaimina Johnston no ha estado parada estos tres años.
Mi cuñado me preguntó el otro día si la artista seguía viva, ya que como sabéis tiene una avanzada edad (desconozco la cifra exacta) y podía quizás haber sido una de las víctimas de esta terrible pandemia que ha protagonizado los últimos doce meses de nuestras vidas.
No, Jaimina no está muerta, Jaimina sigue viva, y Jaimina y su grupo han seguido grabando, incluso con más dedicación ya que el confinamiento les ha impedido realizar otras actividades.
Hoy os traigo como primicia la portada de su nuevo disco. Se llama "Beating Heart", que podríamos traducir como corazón palpitante, como si el grupo quisiera recalcar que Jaimina sigue viva, con todo su talento intacto y con las mismas ganas de hacer música de siempre.
Este es el disco de canciones originales, no versiones de otros artistas, que nos comentaban hace tres años que estaba preparando la artista y que por fin ve la luz.
De lo poco que hemos podido escuchar, solo decir que es un disco muy diferente, ya que son composiciones originales y la mayor parte de ellos llevan acompañamiento instrumental.
El primer corte del álbum ya fue adelantado en Youtube hace un tiempo y es un tema de baile sencillamente irresistible.
Queridos lectores del blog, cuánto tiempo sin escribir nada!
Tenía muchas cosas que contaros pero no he tenido tiempo.
Para este año que viene hago el propósito de sacar tiempo de donde sea y reflotar este humilde blog que abrí ya hace tantos años.
Os cuelgo el villancico que Jaimina Johnston ha grabado para felicitarnos las navidades.
Aunque yo no os tenga al día, nuestra vocalista fetiche sigue grabando sus versiones como una verdadera hormiguita.
Espero que disfrutéis tanto como yo de esta pequeña joya que es una versión a capella de una pieza entrañable del Mesías de Haendel.
En el último post os prometí que haría una revisión a fondo del nuevo álbum de Jaimina Johnston & Group "Parte de tu piel", pero en lugar de eso voy a hacer algo mucho mejor, que es dejar que uno de los propios miembros del grupo nos cuente todos los entresijos del álbum.
Así que le he pedido a J. Strogoff, que como sabéis es la voz profunda de bajo que se oye en los discos de Jaimina, que se estire un poco y nos cuente todo lo que se le ocurra sobre este nuevo trabajo del grupo.
De vuelta me ha mandado un conjunto de notas bastante inconexas pero de gran sinceridad, en las que hace casi un streaptease del funcionamiento del grupo, y que seguro que resultarán interesantes a todos los seguidores del grupo:
J. Strogoff dice...
* "Parte de tu piel" es el álbum número 16 del grupo y es uno de los que más tiempo nos ha llevado grabar. Cada vez somos más lentos haciendo discos...
* Os preguntaréis de dónde viene el título del álbum. Ponerle el título a un álbum suele ser algo que dejamos para el final. Mientras vamos añadiendo las canciones, usamos un nombre provisional, que esta vez era "La Reina del Karaoke 2". Cuando ya teníamos todos los temas grabados le pusimos el título definitivo, que está sacado de una frase de la canción de los Pecos "Háblame de ti".
"Parte de tu piel" nos parecía un título muy adecuado porque estas canciones del pop español son como "parte de la piel de todos nosotros".
* La portada del álbum vino después; queríamos poner una foto de piel en la portada y la más bonita que encontramos fue la piel de serpiente. Luego me ha dicho alguno que la foto le da como repelús, pero a todos nosotros nos pareció un traje muy elegante para el álbum.
* La primera canción que arreglamos y grabamos fue "Qué dolor" (la de la mujer en el armario).
En el grupo siempre habíamos querido grabar algo de Rafaella Carrá porque somos todos muy fans y siempre reivindicamos esas canciones de fiesta que son un poco como menospreciadas por la crítica, pero que cuando te pones a interpretarlas te das cuenta de lo buenas que son. Yo estoy convencido de que dentro de muchos muchos años se seguirán escuchando y lograrán el respeto que merecen.
*La última que grabamos fue "Solo se vive una vez" de las Azúcar Moreno, y la hemos puesto cerrando el disco para terminar con una nota de optimismo.
* En el álbum hemos querido repetir esa idea de repasar la historia del pop de diferentes épocas que ya presentamos en "La Reina del Karaoke". Incluir una canción de los sesenta como "Más bonita que ninguna" es algo totalmente natural con el espíritu del grupo y nos costó muy poco prepararla y grabarla. Una vez terminada nos gustó tanto que no veíamos una mejor forma de abrir el álbum que comenzar con esta canción.
* El territorio que más nos inspira de todos modos es la música de los ochenta. De ahí hemos cogido "Déjame", "Háblame de ti", el medley de Olé-Olé...
* Y en un esfuerzo extraordinario por acercarnos a la actualidad hemos versioneado una canción de Pablo Alborán, "Recuérdame", que es una canción muy bonita, pero que apenas conocíamos porque ninguno de nosotros escucha radiofórmula habitualmente.
* Una de las cosas que más cambia de un álbum a otro es el aspecto técnico de la grabación. Desde que cambiamos todo el sistema informático y nos pasamos de Windows a Mac (eso fue si no recuerdo mal después del álbum "Jaiminology" y antes de "Brotes Verdes") la verdad que nos ha costado adaptarnos y reencontrarnos con el sonido que nos gusta.
Creo que en "Parte de tu piel" ya por fin nos sentimos cómodos y se puede decir que es el álbum que "mejor suena" de nuestra colección, aunque aún tenemos mucho margen de mejora...
* Lo mismo tengo que decir de los arreglos vocales a capella, que son algo así como la columna vertebral de nuestra música. En internet hemos leído algunas críticas más bien demoledoras de nuestra forma de armonizar las canciones, pero nosotros seguimos erre que erre, aprendiendo con cada canción, y yo creo que cada vez lo hacemos mejor.
* En este álbum de una forma natural hemos incorporado más recursos rítmicos, como snaps o palmas, e incluso algo de percusión vocal (en "Derroche" y en "Solo se vive una vez"). Es algo que ya habíamos hecho aisladamente en algún álbum anterior, pero parece que en este álbum nos lo pedían varias canciones.
De todos modos, que nadie se asuste, que no somos un grupo de beatbox ni de du-duá y no tenemos ninguna intención de abandonar el estilo que hemos venido cultivando todos estos años y que es el que nos gusta de verdad.
* Aunque la mayor parte de las canciones están arregladas de una forma muy directa, sin demasiadas florituras, como siempre, nos ha apetecido experimentar un poco en algunos temas, como el cambio de registro de "Corazón Partío" a jazz, o la rearmonización de "Sin ti no soy nada". Esta canción ya la habíamos grabado hace tiempo para el álbum "Live in Puerto Rico", pero estábamos convencidos de que la podíamos dejar mucho mejor, como creo que se aprecia en el resultado final.
* ¿Y ahora qué? Pues en primer lugar disfrutar un poco de este nuevo trabajo, y para nuestro siguiente proyecto estamos dándole vueltas a la idea de grabar temas propios, que es algo que aunque poca gente sepa, ya hemos venido haciendo en anteriores álbumes, dejando caer de vez en cuando algún tema compuesto por nosotros, así como de tapadillo, pero ahora queremos hacer un álbum completo de composiciones propias.
Es un proyecto que nos hace mucha ilusión, pero que promete ser un trabajo muy duro, porque además cada vez somos más perfeccionistas. También es probable que algunos de los temas lleven instrumentos musicales además de las voces. Ya veremos.
* Y para terminar, dar las gracias a todos los que nos siguen, que no serán muchos pero son fieles. ¡Todo el ánimo que nos dais es lo que nos permite seguir adelante!
No podía dejar de comentar la triste noticia del fallecimiento de Jean Baptiste "Toots" Thielemans, un auténtico genio del jazz que se nos ha ido a los 94 años.
Tuve el placer de escuchar a Toots en directo en varias ocasiones y solo puedo decir que es de esos pocos artistas que realmente te "tocan" el corazón cada vez que lo escuchas. Y eso es verdaderamente único en un músico de jazz, una música muchas veces compleja y difícil de entender, pero Toots siempre lograba traspasar todas las barreras y hacerse entender por cualquier público.
Sin desmerecer de su gigantesco, prodigioso y probablemente irrepetible virtuosismo técnico con la armónica, instrumento con el cual nadie ha ido jamás tan lejos, a Toots le gustaba decir que su música se encontraba siempre "entre una sonrisa y una lágrima", una expresión que me parece de lo más certera para definir su estilo musical.
Pero además de ser el mejor armonicista de la historia, el músico belga era también un gran guitarrista y también un gran silbador. Y ya que estamos en un blog vocal, vamos a recordar aquí esta faceta suya de hacer música silbando, algo nada fácil cuando nos referimos a hacer improvisaciones de jazz.
Aquí le tenemos con la también añorada Ellis Regina, con la que grabó en 1969 "Aquarela do Brasil", un álbum que es una verdadera delicia de principio a fin y que transmite todo ese optimismo y buen humor tan propio de Toots.
En el vídeo anterior interpretaban el tema "Bluesette", un estándar del jazz compuesto por el propio Toots Thielemans y que luego ha sido grabado por innumerables artistas, incluyendo, sí, la sorprendente versión de nuestra Jaimina Johnston en el álbum "Brotes verdes" del año 2013.
Toots se nos ha ido, pero su música ya es eterna. ¿Quién no conoce estas grabaciones en las que se oye el inconfundible sonido de su armónica cromática?
