Hoy traemos a este blog al grupo británico Queen, formado por Brian May (guitarra), Roger Taylor (batería), John Deacon (bajo) y el legendario cantante Freddie Mercury.
Queen nació como otros tantos grupos de música rock a principios de los años 70, pero a lo largo de su carrera mostró una serie de rasgos muy especiales que lo situaron en todo momento en un lugar distintivo dentro del mundo de la música rock.
Una de las claves de su originalidad es sin duda el protagonismo de la voz, no solo por el carisma y la calidad de Freddie Mercury como cantante, sino también por los intrincados arreglos vocales del grupo en sus coros y que constituían por sí mismos un sello de marca.
En este sentido Queen fue pionero en la utilización masiva del overdubbing, es decir en la sobregrabación de voces hasta convertir el sonido final en el de un coro multitudinario.
Queen eran cuatro personas pero sonaban como cuarenta voces.
Otro rasgo propio del grupo es su acentuado eclecticismo, que les hacía probar todo tipo de estilos musicales, algo que como ya sabéis nunca ha gustado a los gurús y a la prensa especializada del rock. Este nadar entre estilos diversos puede resultar muy creativo, pero ha hecho que el grupo haya sido habitualmente infravalorado yacusado de "no ser una auténtica banda de rock". De hecho es llamativo que el grupo nunca recibiera un premio Grammy en toda su trayectoria.
Menos mal que tanto Freddie Mercury como el resto del grupo demostraron siempre que las críticas les resbalaban y siguieron el camino que les dio la gana, labrándose una carrera artística larga y jalonada de canciones maravillosas que hoy día son himnos eternos, como "We are the champions", "We will rock you", "I want it all", "Crazy little thing called love", "Somebody to love" y tantas otras creaciones, sin olvidarnos de "Bohemian Rhapsody", considerada como una de las mejores canciones pop de todos los tiempos.
Os traigo un documental de la BBC que he encontrado en Youtube sobre el grupo. Se titula "Days of our lives" y está dividido en 2 partes de 4 fragmentos cada una y subtitulado en español. Merece la pena de verdad.
Al final del documental muere Freddie Mercury y aunque ya lo sabíamos se pone un nudo en la garganta.
La crisis de público de la música clásica no es un asunto nuevo.
Desde hace ya décadas se asume que la música clásica está dirigida a una minoría: una minoría entendida, una minoría selecta, una minoría cultivada y una minoría además añosa. Todos estos clichés se aplican habitualmente a la gente que tiene costumbre de escuchar música clásica.
La falta de entendimiento entre la música clásica y la música popular además es recíproca, porque tanto empeño pone el común de las gentes en huir de las salas de concierto como los propios músicos "clásicos" en poner barreras que impidan que la gente llana acceda a comprender y amar la música denominada "culta".
Pero a fin de cuentas, ¿tan diferentes son la música clásica y la música popular?
Mi humilde respuesta es un rotundo NO.
Tanto la una como la otra están hechas de lo mismo, de notas, armonías, ritmos, y las mayores diferencias estriban en la forma en la que una u otra nos presenta el resultado.
El Magnificat de J.S: Bach son notas musicales
El Bad Romance de Lady Gaga también son notas musicales
Por supuesto que la mayor parte de la música considerada clásica tiene el prestigio de haber persistido vigente durante siglos, (haber superado la prueba del tiempo) pero incluso la creación más genial de Bach o de Mozart no deja de ser lo que hemos dicho: notas, armonías, ritmos. Y quién nos dice que dentro de muchos años no seguiremos disfrutando igual que ahora con las canciones de los Beatles, por poner un ejemplo.
Pero volviendo a la pregunta del título de este post, ¿cuáles son esas razones por las que la mayor parte del público no tiene ningún interés por la música clásica?¿Es porque son todos unos ceporros sin sensibilidad alguna? Mi opinión es que no; es la forma en la que la música clásica nos es presentada la que hace que esté en franca inferioridad cuando tiene que "competir" con la música popular.
Ahí van cinco razones:
RAZON NUMERO 1: MUSICA Y VOZ
Al ser humano le encanta la música cantada y por eso el 99% de la música popular tiene como protagonista la voz. En la música clásica en cambio predomina la música instrumental y eso engancha menos al público. De hecho, las formas cantadas de la música clásica como la ópera o las obras corales son las que aún consiguen suscitar cierto interés entre el público general.
RAZON NUMERO 2: LAS FORMAS DE LA MÚSICA CULTA
A la gente común le produce auténtica alergia toda esa terminología de sinfonía, cantata, sonata, motete, lied, oratorio, suite, preludio, minueto, poema sinfónico, scherzo y otros muchos que me dejo en el tintero. La mayoría de la gente solo distingue entre A: Canciones y B: Músicas. Vamos, que es escuchar eso de Opus número no se cuántos y cambiar de canal.
RAZON NUMERO 3: LOS CANTANTES LIRICOS
Ya hemos aludido alguna vez en este blog a las diferencias entre las voces líricas y la forma de cantar de la música ligera. No vamos a negar aquí el esfuerzo y los años de preparación que exige el canto lírico, pero sí vamos a señalar que la mayor parte del público prefiere una forma de cantar más natural, más cercana a la voz hablada y sobre todo, sin ese exagerado vibrato que hace que a veces no se les entienda lo que cantan.
RAZON NUMERO 4: EL IDIOMA
Y hablando de no entender lo que se canta, ¿qué podemos decir de todas esas corales cantadas en latín, o de las óperas cantadas en alemán, en francés, o en italiano en el mejor de los casos? El mensaje es por lo menos el 50% del valor que tiene la voz humana, único instrumento que aúna música y texto. Cierto es que ahora suelen ponernos subtítulos, que ayudan y mucho a seguir una ópera, pero solo por un momento imaginemos un concierto de pop o de rock que necesitara subtítulos para enganchar al público.
RAZON NUMERO 5: LA EXPOSICION CONTINUA Y LA PROPAGANDA
Nunca amamos una canción o una pieza musical la primera vez que la escuchamos. La exposición repetida es la que hace que prenda en nuestro interior. Siempre me ha parecido ilusorio acudir a un concierto de música clásica, escuchar una obra que no hemos oído nunca antes y pretender que nos encante a la primera. Como mucho diremos que nos parece interesante, que promete o que nos recuerda a otra que nos gusta. En los conciertos de pop o rock el público acude con los deberes ya hechos y se sabe las canciones de pe a pa, porque las discográficas se encargan de promocionarlos extensamente en la radio, en las televisiones, en los anuncios. Si el público acude a un concierto de música clásica sin conocer nada de la obra, lo más probable es que se quede dormido a mitad del concierto y no vuelva al siguiente.
Classical Crossover
Por todas estas razones queremos rendir hoy homenaje en este blog a todos esos artistas que han intentado sortear este abismo aparentemente insalvable entre la música clásica y la música popular. Son conocidos como los artistas del classical crossover, término que podríamos definir como aquellos que adoptan fuentes o influencias de la música clásica para llevarlos al terreno de la música popular y alcanzar una imagen más comercial y llegar a un público más amplio.
He encontrado este enlace en el que lo explica todo maravillosamente bien, las distintas formas de hacer classical crossover, las tácticas que emplean las discográficas para explotar este mercado y también algunos ejemplos de los artistas más conocidos en esto de llevar la música clásica a las grandes masas, que son sobre todos cantantes, como el éxito universal de Los Tres Tenores (Luciano Pavarotti, Plácido Domingo y José Carreras)
Muchos puristas se rasgan las vestiduras, pero espectáculos así acercan la música clásica a un público que de otra manera no llegaría a conocer nunca la belleza de este aria de Puccini, (aunque muchos lo llamarán temazo en lugar de aria, lo que viene a ser lo mismo).
A la estela del éxito de los tres tenores, hemos tenido más tarde la oportunidad de conocer a Andrea Bocelli, cuyo caso es diferente porque es más bien un cantante de música ligera con algunos registros de tenor y canta canciones que no son de ópera pero se dan un aire. El éxito de Con te partiró fue también enorme.
El avispado productor de la compañía Sony Simon Cowell, conocido también por su labor de jurado en Factor X, vio enseguida el potencial comercial y creó el grupo Il Divo, un grupo de cantantes iniciados en el canto lírico, que no son italianos pero lo parecen (importante para el éxito), y que cantan canciones pop pero intentando sonar a ópera.
Yo no sé si esto se puede seguir considerando classical crossover o ya es descaradamente música pop para fenómeno fan, como se desprende de los comentarios del siguiente vídeo. Vosotros mismos podéis juzgar.
Aprovechando el espíritu de la reciente Semana Santa, nos vamos a acercar hoy a una de las grandes, si no la más grande de las obras vocales sacras de todos los tiempos: la Gran Misa en Do menor de Wolfgang Amadeus Mozart, (K427).
Esta obra monumental, y sin embargo inacabada, fue compuesta por el genial músico entre 1782 y 1783. Como peculiaridad, la compuso no por encargo como otras misas, sino al parecer por algún tipo de promesa o voto por su reciente matrimonio con Constanze Weber.
Siete años más tarde, Mozart compondría otra obra genial y también inacabada: la Misa de Requiem.
La Gran Misa en Do menor está compuesta para dos coros, dos sopranos, un tenor y un bajo solistas y orquesta y no se sabe por qué Mozart la dejó sin terminar (falta parte del Credo y todo el Agnus Dei previsto)
En cuanto a la música, siempre se ha señalado la influencia de las obras corales de Bach y Haendel, a partir de cuyas premisas Mozart demuestra el por qué muchos lo consideran el mayor genio de la historia de la música, creando una música que puede ser tan delicadamente hermosa (como por ejemplo en el Incarnatus est) como de un dramatismo hondo y arrebatador (como en el pasaje Qui tollis).
Su capacidad para crear melodías eternas es solo comparable a su dominio de la armonía, con progresiones cromáticas a las que previamente no se había atrevido ningún compositor y que parecen surgidas de alguna suerte de inspiración divina. Pero además, en esta como en el mencionado Requiem, Mozart muestra un renovado interés por el contrapunto y la fuga, que desarrolla con singular maestría.
En el siguiente vídeo tenéis TODA la obra, con la transcripción simultánea de la partitura, tal y como es interpretada por la orquesta English Baroque Soloists, dirigida por John Elliot Gardiner, con el maravilloso Monteverdi Choir.
Entre otras grabaciones de la obra, quizá la más apreciada por los expertos es la dirigida por el húngaro Ferenc Fricsay, con la participación de la soprano también húngara Maria Stader.
Finalmente, el gran Leonard Bernstein también nos dejó SU versión de la obra. En el siguiente video tenemos el "Qui Tollis", quizás mi pasaje favorito de la obra.
Nos acabamos de enterar que la legendaria cantante estadounidense Dionne Warwick, agobiada por las deudas con la hacienda de los USA, se ha declarado en bancarrota.
Le debíamos una entrada en este blog a esta cantante, que en la actualidad cuenta 72 años de edad y cuya carrera profesional se extiende a lo largo de más de cincuenta años.
El estilo vocal de Dionne Warwick es único por su sutileza y su elegancia, aunque tampoco está desprovisto de fuerza cuando es preciso. Los orígenes de su carrera se encuentran en el gospel, aunque pronto abandonó la música negra para convertirse en una de las cantantes de pop de mayor éxito en los años 60 de la mano del dúo Bacharach y David, compositor y letrista que le proporcionaron la mayor parte de sus éxitos.
Canciones como "Walk on by", "Don't make me over" o "Do you know the way to San Jose" son algunos de los hits de su larga carrera. También es un hecho curioso que algunos de sus mayores éxitos fueron luego objeto de versiones que llegaron a superar el éxito cosechado por Dionne, como en el caso de "Say a little prayer" o "(They Long to be) Close to you", en versiones de Aretha Franklin o los Carpenters, respectivamente.
También Dionne Warwick ha realizado algunas versiones de éxitos ajenos, dotándolas de su inconfundible personalidad, como esta versión sencillamente sublime del "All in love is fair" de Stevie Wonder.
Tras romper su asociación con el tándem Bacharach-David, su carrera pasó al ostracismo durante buena parte de los años 70, pero como todo lo bueno vuelve, en la década de los 80 resurge con nuevos álbumes y nuevos éxitos, entre los que destacan "Heartbreaker" compuesta para ella por los Bee Gees y el megahit "That's what friends are for", escrita por Bacharach y Carol Bayer Sager para Dionne, Gladys Knight, Elton John y Stevie Wonder, canción benéfica a favor de los enfermos de SIDA, en un momento (año 1985) en el que esta epidemia se encontraba en pleno apogeo.
Resulta paradójico y bastante triste que una artista que es conocida por haber dedicado gran parte de su trabajo a fines benéficos sea ahora perseguida sin piedad por Hacienda, por mucho que deba no sé cuántos millones de dolares y aunque seguramente no habrá sido muy cuidadosa con sus dineros.
El lado positivo es que ahora igual se anima a salir de gira y la podemos ver por Europa.
Y si el anterior vídeo os ha parecido emotivo, os reto a que veáis y escuchéis sin echar la lagrimita esta otra versión de la misma canción, pero ahora con la presencia de dos artistas ya desaparecidos, Luther Vandross y Whitney Houston.
Hoy Jueves Santo es el Día del Amor Fraterno y se me ha ocurrido que vamos a hablar aquí sobre cantantes que se han hecho famosos saliendo al escenario acompañados de sus hermanos o hermanas.
Y no es tan rara esta circunstancia, quizás porque los mejores cantantes siempre han despuntado ya de niños y porque en muchos casos su dedicación a la música se debe a unos padres que ya tenían una gran afición a la música o que incluso eran músicos profesionales.
Ejemplos de familias musicales los hay a patadas y algunas de ellas ya han visitado nuestro blog, como los Jacksons, liderados por nuestro añorado Michael, cuya carrera nació por el empeño del padre de la familia, Joseph Jackson.
No tan legendarios, pero también hermanos y con miles de fans son los Jonas Brothers, el grupo Hanson o los hermanos (aunque se lleven a matar) Gallagher del grupo Oasis.
El éxito de los Jonas Brothers se forjó en interminables ensayos en el hogar familiar
y durísimas sesiones de peluquería y estilismo
Los Hanson intentaron crear una versión blanca
y con pelo largo de los Jacksons,
pero su éxito fue efímero.
Los hermanos Gallagher en un raro momento de concordia fraternal
También hermanos eran los Bee Gees (Robin y Maurice eran además mellizos no idénticos), de los cuales ya hemos hablado en este blog y quienes hacían unas armonías vocales estupendas. Por culpa del cáncer ahora ya solo nos queda Barry.
Y hay incluso cantantes gemelos idénticos, lo que me imagino será una ventaja a la hora de conjuntar bien bien las voces. Allá por los años 80 teníamos al grupo Bros y ahora tenemos a los Jedward, dos gemelos dublineses descubiertos en Factor X de gran Bretaña y famosos por sus participaciones en Eurovisión (sí, han ido ya dos veces)
Bros
John y Edward se hacen llamar Jedward.
Son famosos por sus dinámicas actuaciones y
también por sus tupés imposibles.
The Corrs
The Kelly Family en la foto del carnet de familia numerosa.
Los cuatro miembros del grupo The Corrs también son todos hermanos y sus padres eran músicos profesionales. Como la Familia Kelly, pero en más fino; vamos, que los Kelly casi parecen una secta.
Y en España también hemos tenido y tenemos familias que siguen el lema "La familia que canta unida permanece unida".
Desde la mítica banda Mocedades (cuyo núcleo era una familia de Bilbao, los Uranga) a los cuales ha versioneado incluso la mismísima Jaimina Johnston en el álbum "La Reina del Karaoke", al dúo Estopa o los Café Quijano, tres hermanos leoneses que han hecho toda una carrera a partir de solo una canción ("La Lola"), que ya tiene mérito.
Esta es la idea que tiene el grupo Mocedades de salir bien en una foto.
Pero para ejemplos de familias de artistas españoles, las familias gitanas, con grupos legendarios, como los Chunguitos, los Chichos o las Azúcar Moreno, que son un spin off de los Chunguitos, y aunque ahora estén enfadadas entre ellas son un modelo alucinante del encuentro entre lo cañí y la vanguardia.
Este estilismo en su momento tenía sentido,
aunque parezca imposible
Los Chichos eran mucho más sobrios
Las Azúcar Moreno cuando todavía se hablaban
Pero me desvío mucho de mi intención original que era rendir homenaje a uno de mis grupos de familias cantantes favoritas, que son los Carpenters.
Richard y Karen Carpenter eran dos hermanos nacidos en Connecticut y mostraron desde su juventud grandes dotes para la música. Sus primeros pinitos los hicieron en grupos de jazz, donde Richard tocaba el piano y Karen la batería. Poco a poco Karen, que era una extraordinaria batería, empezó a mostrar un increíble talento natural para cantar.
El grupo forjó un estilo propio inconfundible cimentado por una parte en la gran pericia de Richard para la elección de canciones, los arreglos y la grabación de voces empleando la técnica de overdubbing (sobreposición de la misma o varias voces en la grabación); por otra parte, la inusualmente grave voz de Karen Carpenter constituye el sello inconfundible del grupo, con su dicción perfecta, un estilo vocal limpio y sin embargo de una calidez irresistible, que nos hace pensar en el calor del fuego de la chimenea de un hogar una tarde de invierno o los campos de trigo al sol mecidos por el viento.
Aunque el éxito del grupo fue absoluto, vendiendo millones de discos y logrando varios premios Grammy, lo cierto es que el grupo siempre se sintió algo encasillado por la compañía de discos en un estilo de música algo blando y conservador. Esto les granjeó el desprecio de muchos críticos, que no pueden soportar a un grupo musical que no sea polémico o no hable de drogas ni de política.
El caso es que a la vez que ofrecía una imagen idílica de la America blanca y conservadora, el grupo vivía en su propio seno los dramas del abuso de barbitúricos de Richard y la enfermedad de Karen, quien sufría anorexia nerviosa, en aquel tiempo una enfermedad casi desconocida y que le llevó finalmente a fallecer a la temprana edad de 32 años.
Todo esto lo relata muy bien el propio Richard en un documental que he encontrado en youtube y que os recomiendo seguir de principio a fin porque no tiene desperdicio.
Recordando la celebración el pasado día 8 de Marzo del Día Internacional de la Mujer, traemos a este blog a una auténtica fuerza de la naturaleza, esta mujer maltratada física y psicológicamente durante décadas por su marido Ike Turner.
Un buen día tras una brutal paliza, huye de él y tras curar su heridas, resurge como el ave fénix desde las cenizas para ofrecer al mundo entero un talento único y descomunal.
Ver cantar y bailar a Tina Turner sobre un escenario resulta algo difícil de olvidar. Aquí la tenemos ofreciendo su insuperable versión del "Addicted to love" de Robert Palmer.
Mucha gente puede pensar que Tina Turner es solo fuerza y movimiento, la "reina del rock & roll", como ha sido denominada. Pero además de eso, Tina es también una cantante con un gran dominio técnico de su voz, una tesitura amplísima y una gran sensibilidad.
En este otro vídeo la tenemos interpretando una versión de jazz de un tema de Joni Mitchel, para el disco "The Joni Letters" de Herbie Hancock.
Este fin de semana se ha estrenado en los cines de toda España la película "Dando la nota" ("Pitch perfect" es el título original en inglés).
Se trata de una película ambientada en el mundillo de la música coral a capella de las universidades americanas, algo así como la versión universitaria para cine de la serie Glee, de la que ya hemos hablado en este blog anteriormente.
Y no es que yo vaya mucho al cine, pero como me debo a los ilustres lectores de este blog, para allá que me fui a ver la película al cine más cercano, aun temiéndome lo peor, dadas las escasas referencias que tenía del film.
El caso es que la película no será nada del otro mundo, pero yo me reí bastante. Esperaba encontrarme la típica comedieta adolescente americana sin gracia y más que nada iba por la música. Y en cambio, me encontré una película muy entretenida, que no se toma demasiado en serio a sí misma y que por lo menos no trata al espectador como si fuera idiota.
En cuanto a las actuaciones a capella, en primer lugar advertir que hay unas cuantas. La calidad de la música es aceptable, pero me decepcionó un poco, sobre todo por el abuso de procesamiento de las voces; me refiero a que "a capella" quiere decir sólo las voces, sin otros instrumentos, pero cuando empiezas a procesar las voces y a cambiarles no sólo el timbre sino en muchos casos el tono, al final el resultado no es muy diferente a hacer música con un sintetizador.
Por otra parte, la mayor parte de las canciones que se cantaban eran versiones de temas que seguramente serán de rabiosa actualidad en USA, pero para mí eran desconocidas (sí, me temo que estoy un poco desfasado de la actualidad musical).
Eso sí, los arreglos vocales me parecieron de altura, como corresponde a la participación en el proyecto de conocidos arreglistas musicales especializados en música pop a capella, como Ed Boyer o Deke Sharon, implicados en el mencionado Glee o en el concurso The Sing Off.
Aquí tenéis el trailer de la película
En realidad la película es bastante mejor que el trailer. Además, todos los actores cantan con sus propias voces, incluida la star Anna Kendrick, quien ya contaba con experiencia en el teatro musical de Broadway.
Así que os animo a ir a verla, sobre todo porque tiene algunos momentos francamente divertidos.
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