Recordando la celebración el pasado día 8 de Marzo del Día Internacional de la Mujer, traemos a este blog a una auténtica fuerza de la naturaleza, esta mujer maltratada física y psicológicamente durante décadas por su marido Ike Turner.
Un buen día tras una brutal paliza, huye de él y tras curar su heridas, resurge como el ave fénix desde las cenizas para ofrecer al mundo entero un talento único y descomunal.
Ver cantar y bailar a Tina Turner sobre un escenario resulta algo difícil de olvidar. Aquí la tenemos ofreciendo su insuperable versión del "Addicted to love" de Robert Palmer.
Mucha gente puede pensar que Tina Turner es solo fuerza y movimiento, la "reina del rock & roll", como ha sido denominada. Pero además de eso, Tina es también una cantante con un gran dominio técnico de su voz, una tesitura amplísima y una gran sensibilidad.
En este otro vídeo la tenemos interpretando una versión de jazz de un tema de Joni Mitchel, para el disco "The Joni Letters" de Herbie Hancock.
Este fin de semana se ha estrenado en los cines de toda España la película "Dando la nota" ("Pitch perfect" es el título original en inglés).
Se trata de una película ambientada en el mundillo de la música coral a capella de las universidades americanas, algo así como la versión universitaria para cine de la serie Glee, de la que ya hemos hablado en este blog anteriormente.
Y no es que yo vaya mucho al cine, pero como me debo a los ilustres lectores de este blog, para allá que me fui a ver la película al cine más cercano, aun temiéndome lo peor, dadas las escasas referencias que tenía del film.
El caso es que la película no será nada del otro mundo, pero yo me reí bastante. Esperaba encontrarme la típica comedieta adolescente americana sin gracia y más que nada iba por la música. Y en cambio, me encontré una película muy entretenida, que no se toma demasiado en serio a sí misma y que por lo menos no trata al espectador como si fuera idiota.
En cuanto a las actuaciones a capella, en primer lugar advertir que hay unas cuantas. La calidad de la música es aceptable, pero me decepcionó un poco, sobre todo por el abuso de procesamiento de las voces; me refiero a que "a capella" quiere decir sólo las voces, sin otros instrumentos, pero cuando empiezas a procesar las voces y a cambiarles no sólo el timbre sino en muchos casos el tono, al final el resultado no es muy diferente a hacer música con un sintetizador.
Por otra parte, la mayor parte de las canciones que se cantaban eran versiones de temas que seguramente serán de rabiosa actualidad en USA, pero para mí eran desconocidas (sí, me temo que estoy un poco desfasado de la actualidad musical).
Eso sí, los arreglos vocales me parecieron de altura, como corresponde a la participación en el proyecto de conocidos arreglistas musicales especializados en música pop a capella, como Ed Boyer o Deke Sharon, implicados en el mencionado Glee o en el concurso The Sing Off.
Aquí tenéis el trailer de la película
En realidad la película es bastante mejor que el trailer. Además, todos los actores cantan con sus propias voces, incluida la star Anna Kendrick, quien ya contaba con experiencia en el teatro musical de Broadway.
Así que os animo a ir a verla, sobre todo porque tiene algunos momentos francamente divertidos.
Con este más que optimista título se acaba de publicar el último trabajo de Jaimina Johnston.
Como ya adelantaba la cantante en una entrevista en este mismo blog, el nuevo trabajo de la artista británica se caracteriza por una mayor presencia de la música jazz, aunque como en anteriores trabajos la variedad de estilos es enorme.
Después de una primera escucha de esta pequeña joya aún me encuentro estupefacto. ¿Quién sino Jaimina Johnston y su grupo podrían mezclar en un mismo álbum temas de jazz como el "Bluesette" de Toots Thielemans con canciones del folklore paraguayo como "Chogüí", una composición coral contemporánea de Eric Whitacre o la otrora canción del verano "Todos a bailar" de Georgie Dann?
Si no lo creéis posible, aquí os cuelgo el reproductor gratuito ubicado en Grooveshark.
Artista polifacético, compositor, multiinstrumentista y fenomenal cantante, Donny Hathaway es considerado por muchos críticos musicales como uno de los mayores genios de la música popular. Es también uno de los más infravalorados y resulta generalmente poco conocido por el gran público. Y por eso mismo nos encanta traerlo a este blog.
Nacido en Chicago en 1945, fue criado por su abuela, una cantante profesional de gospel, quien lo introdujo en el coro de la iglesia a temprana edad. Más tarde recibió formación académica musical en la Howard University de Washington DC, donde trabó amistad con la también cantante Roberta Flack, con la que compartiría años más tarde los momentos de mayor éxito de su carrera musical.
A pesar de su extraordinario talento, Donny Hathaway no tuvo una vida feliz; en primer lugar porque siempre se sintió minusvalorado por el público y le costó largos años de carrera en un segundo plano de instrumentista y arreglista hasta llegar a alcanzar en sus últimos años el merecido estatus de estrella musical.
La segunda razón de su infelicidad eran sus problemas mentales, los cuales le llevaron a ser diagnosticado de una esquizofrenia paranoide y precisar medicación de forma regular.
A pesar de todo, Donny Hathaway alcanzó finalmente el éxito popular, sobre todo a través de una serie de encantadores duetos con su amiga Roberta Flack, como "The closer I get to you" y "Where is the love", obteniendo por esta última canción su único premio Grammy en 1973.
Lamentablemente, el 13 de Enero de 1979, la enfermedad mental le ganó finalmente la partida a Donny y se arrojó por la ventana del Hotel Sussex de Nueva York.
Aunque su legado musical no es muy grande, apenas grabó cinco álbumes de estudio, algunos de sus trabajos son magníficos y su influencia perdura en el tiempo.
El álbum "Extension of a man" (1973), producido por Arif Mardin, se considera justamente una obra maestra, conjugando estilos musicales que van desde la música sinfónica al jazz, pasando por el gospel, el soul, el pop...
Desde la obertura instrumental "I love the Lord, He heard me cry", con influencias de Debussy, Ravel y Stravinsky, se advierte la enorme ambición de este álbum.
Seguidamente, Donny canta "Someday we'll all be free", una hermosa balada con toques de jazz que se ha convertido justamente en un estándar y también en un himno de la comunidad negra ("algún día todos seremos libres"), si bien el letrista de la canción, Edward Howard, declaró que escribió la letra expresando el deseo de que Donny se liberara de los problemas que lo torturaban (y que a la postre lo llevaron a terminar con su vida).
De esta canción se dice que el propio Donny Hathaway se echó a llorar cuando escuchó por primera vez la mezcla final de la grabación.
El resto del álbum es igualmente excepcional, sin apenas momentos en los que disminuya la intensidad; "Valdez in the country" y "Flying easy" son dos cortes cercanos al jazz, mostrando el virtuosismo del propio Donny a los teclados y del resto de un excepcional grupo de músicos que incluye gente como Stanley Clarke, Cornell Dupree, Willy Weeks, Fred White o Cissy Houston.
Lo más increíble del disco en mi opinión es que resulte accesible y "entendible" para el público en su sentido amplio, a pesar de los niveles brutales de experimentación que recorren todo el álbum, como el ya comentado primer tema de estilo cuasi-sinfónico o el tema de baile a ritmo 5/4 "Come little Children".
El elemento vertebrador de todo este catálogo de influencias y estilos es la voz inconfundible de Donny Hathaway, forjada en la tradición del gospel y que nos pone la carne de gallina en el tema que cerraba originalmente el álbum "I know it's you".
Si os interesa saber más de este genio de la música, no dejéis de visitar esta página web.
Hoy os propongo volver la vista atrás a un estilo de hacer música que hundiendo sus raíces en la música soul proponía un carácter más suave y relajado.
Esta "tormenta tranquila" (quiet storm) se convirtió en todo un género musical allá por los años 80-90 y se nutría de estilos como el soul, el jazz y el pop, dando lugar a una música de una gran perfección formal, con arreglos y sonido muy cuidados, temática romántica e interpretaciones vocales inspiradas en el gospel o el soul.
Es decir, música soul igual de negra pero lujosa y sin estruendos.
Aunque esta etiqueta se ha empleado con otros artistas consagrados como Luther Vandross o Sade, la reina indiscutible del "quiet storm" es Anita Baker.
Esta cantante nacida en Toledo, Ohio y que la semana pasada cumplió 55 años, comenzó su carrera con el grupo Chapter 8, el cual se disolvió tras grabar un primer disco sin éxito.
Anita abandonó su carrera musical durante unos años pero fue rescatada por Michael J. Powell, antiguo compañero en Chapter 8, quien la animó a iniciar su carrera en solitario con el apoyo de Powell en su faceta de compositor y productor. La colaboración entre ambos dio como fruto "The Songstress", un álbum sin gran éxito, pero que puso a Miss Baker en el mercado.
El siguiente álbum "Rapture" vendería nada menos que 8 millones de copias en todo el mundo.
El estilo vocal de Anita Baker no es plato para todos los gustos, aunque haya sido considerada repetidamente como "una de las mejores solistas del mundo". Tanto el tono peculiar de su voz, como su arriesgado empleo de glissandos hace que algunas personas que conozco no puedan casi ni soportarla.
A mí me parece sublime.
Aquí la tenemos cantando en vivo su gran éxito Sweet Love.
Más tarde ha ido publicando otros álbumes, todos muy parecidos, todos magníficos, como "Giving you the best that I got", "Compositions" o "Rythm of love". Tras ganar un total de 8 Grammies decide centrarse en su familia y desaparecer del mercado un tiempo que se prolonga nada menos que 10 años.
Tras este lapso vuelve con un disco calcadito a los anteriores "My everything", como si no hubiera pasado nada y con bastante éxito de ventas (fue disco de oro).
Para terminar, os comento que la etiqueta "quiet storm" surgió como un formato de radio comercial en los USA a mediados de los 70 que programaba música soul suave y romántica. El nombre fue tomado de una canción del genial "Smokey" Robinson, una de las figuras claves en la historia del sello Motown (este personaje bien se merece otra entrada de blog).
Todos sabemos que una de las ocupaciones favoritas de los científicos es demostrar cosas que ya sabíamos empleando métodos complejísimos y carisísimos.
Recientemente he leído dos artículos sobre dos investigaciones relacionadas con la voz humana y el canto. En la primera, unos investigadores de la Universidad de Southern California han analizado las imágenes de resonancia magnética de la garganta y de la boca de un cantante de beatboxing en acción.
Las conclusiones del estudio han sido: en primer lugar que los movimientos que empleaba eran muy complejos y rápidos. Y en segundo lugar que los movimientos se parecían mucho a los que se emplean en el lenguaje hablado. Y yo me pregunto, ¿qué movimientos esperaban que hiciera?
En el otro estudio un reconocido neurocientífico británico llamado Jack Lewis ha estudiado la activación de áreas cerebrales relacionadas con el placer y las emociones mientras los sujetos escuchaban canciones y músicas de diversos estilos.
Una de las conclusiones más destacadas es que la música que mejor activa estas regiones y por tanto se considera más capaz de generar emociones y placer es la música a capella.
Pero, por supuesto, nosotros ya sabíamos esto!
También publican el listado de "canciones Prozac", es decir, aquellas que obtuvieron mejores resultados en el experimento. Este listado estaba encabezado por artistas como Prince, BB King, The Beachboys, Muddy Waters, Boney M o Bob Marley.
Queridos seguidores del blog, comencemos este año 2013 con energías renovadas.
Esta vez os traigo unos vídeos sorprendentes sobre choral speaking, una de tantas formas de expresión artística que nos permite ese maravilloso instrumento que es la voz humana.
Consiste en el recitado de piezas literarias, ya sean de poesía o prosa, al unísono por parte de un coro; es decir, como una actuación coral musical pero desprovista de música. Unicamente el texto, pero recitado por un grupo de personas con una sincronización que debe ser perfecta.
Este recurso, empleado desde tiempo inmemorial en los colegios de habla inglesa para mejorar la dicción y la entonación del idioma, había sido relegado durante las últimas décadas en favor de otras formas de expresión como el teatro o la música. Sin embargo, en los últimos años se ha reavivado el interés por el choral speaking, que ahora mismo es tendencia en países como Malasia o Singapur.
Los beneficios de ejercitarlo no se limitan a la mejoría de la pronunciación de un idioma (generalmente el inglés), sino que también potencian la capacidad expresiva de los alumnos, su disciplina y su espíritu de grupo.
Una buena interpretación de choral speaking debe reunir sincronía, creatividad y entusiasmo.
En el siguiente vídeo podéis ver un ejemplo venido del Lejano Oriente que nos habla de las maravillas de Malasia.
Como se puede apreciar, la labor del director es fundamental, tanto para sincronizar a los coralistas como para transmitir energía.
Otro aspecto fundamental son las coreografías. Es increíble lo entretenidas que pueden llegar a resultar algunas, sin que los coralistas lleguen realmente a moverse de su sitio en ningún momento, sino simplemente realizando movimientos de cabeza, cuerpo o brazos.
Tanto en este punto como en el de la originalidad de las entradas a escena, pienso que deberían tomar nota muchas corales musicales, porque son aspectos que añaden un plus a cualquier actuación que pretenda ganarse y mantener la atención del público.
He encontrado en la red numerosos vídeos de choral speaking procedentes de países musulmanes. Sin entrar en otras consideraciones, hay que reconocer que el velo islámico les da un toque visual muy especial, será porque acentúa la uniformidad de las coralistas. En el siguiente vídeo no se entiende casi nada de lo que dicen, pero la entrada de la directora haciendo movimientos robóticos es impactante.
