ABBA: el secreto del éxito

Estos cuatro suecos se convirtieron a finales de los años 70 en las mayores estrellas de la música, nivel planeta Tierra. Se estima que vendieron cerca de 400 millones de discos.

El caso es que no eran un grupo muy apreciado por los críticos; decían que su música era demasiado simple y sus letras insustanciales. Sin embargo, el paso del tiempo ha dado la razón a los gustos de la "plebe" y el grupo Abba se ha convertido hoy en día en un clásico indiscutible y grupo de culto.

Su prestigio es incluso mayor en tierras australianas, donde son considerados casi dioses (no se sabe bien por qué tanta predilección). En cambio el mercado estadounidense se les resistió durante largas temporadas, quien sabe si por una pobre distribución de sus discos, o porque su música les parecía demasiado pulcra y algo infantil.

Una de las claves del éxito del grupo, y por eso los traigo hoy a este blog de música vocal, es la extraordinaria conjunción de sus dos voces solistas, Agnetha (la rubia) y Anni-Frid "Frida" (la pelirroja). Tanto cuando cantan en unísono (las mismas notas) como cuando hacen armonías, sus inconfundibles voces constituyen la auténtica marca de identidad del grupo.

Mucho se ha dicho y se ha escrito sobre el secreto del éxito de ABBA, ¿por qué una música aparentemente tan sencilla resulta tan encantadora e irresistible para audiencias de los cinco continentes? Una de las claves es por supuesto la calidad de Benny (el de la barba, a los teclados) y Björn (el de la guitarra) como compositores y letristas de canciones. Otra son las voces y los interesantes arreglos vocales, deudoras de grupos como Beach Boys y The Beatles.

Pero también se ha hablado mucho sobre las innovaciones técnicas en el estudio de grabación. La consistencia de las voces se mejoraba grabando varias veces la misma pista y superponiendo las tomas introduciendo pequeñas variaciones de tono o incluso velocidad (varispeed) que hacían que las voces de las chicas sonaran como todo un coro.

Si nos fijamos bien, cuando escuchamos los discos de ABBA, siempre se oyen más de dos voces, a veces formando diferentes capas realizando juegos armónicos a veces muy sutiles. En algunas canciones, este juego es más evidente, como en esta magistral grabación del tema Take a chance on me, con su introducción a capella, 

La introducción con la pantalla partida se adelanta treinta años a muchos de los vídeos que se hacen hoy en día para youtube. La estética de los vídeos del grupo ABBA siempre fue muy rompedora e imaginativa. No en vano, la mayoría de sus videoclips fueron dirigidos por Lasse Hallström, conocido director de cine famoso más tarde por películas como Las normas de la casa de la sidra, Mi vida como un perro o Chocolat.

Aquí tenemos también el vídeo oficial de Knowing me, knowing you, con esos planos tan personales contraponiendo rostros y perfiles de los que luego haría homenaje la película La boda de Muriel.

Y aquí la versión genial de Waterloo de la película australiana.

Otro aspecto que merece recordar del grupo es su estilismo. Y sí, el grupo estaba formado por dos matrimonios, Bjorn con Agnetha, y Anne-Frida con Benny, aunque luego se separaron todos.

Tenemos desde modelos tipo kimono...

...pasando por trajes con capa de superhéroe...

...esta línea inspirada en los colores de la bandera sueca. Atención a las plataformas de Bjorn...

Aquí escasos momentos antes de echar a volar...

Y los fines de semana nos ponemos el mono para hacer chapuzas en casa.


Y aquí unas cuantas direcciones interesantes sobre el legendario grupo sueco, algunas de ellas creadas por fanáticos auténticamente locos por el grupo. Todo grupo de culto que se precie tiene sus friki-fans...


http://jimcolyer.com/papers/entry?id=35


http://www.breckstewart.com/general/book/abba/

http://en.wikipedia.org/wiki/ABBA

http://www.iphpbb.com/foren-archiv/5/292800/291240/abba-harmonies-30652567-61610-12016.html

http://www.abbasite.com

Artistas del lip sync (playback)

El término lip sync, abreviatura de lip synchronization (sincronización de labios) se refiere a la técnica de mover los labios de forma sincronizada con una grabación de voz previa; vamos, lo que toda la vida se ha llamado aquí "hacer playback".

Aquí en España lo vemos como algo de lo más normal, porque toda la vida lo hemos visto en las actuaciones de cantantes en la televisión. Otra cosa es que los artistas lo empleen en sus conciertos en vivo. Y sin embargo, surgen comentarios sobre cantantes que cada vez con más frecuencia se valen de este recurso en los escenarios, especialmente cuando las actuaciones llevan emparejada alguna coreografía movidita.

Un paso más allá lo dio el famoso dúo Milli y Vanilli, quienes no es que simularan cantar en directo, es que ni siquiera eran ellos los que cantaban en las grabaciones. Y aún así les dieron un Grammy (la academia que concede los premios aún no se ha recuperado del descrédito originado tras conocerse el amaño)

La triste historia de este efímero dúo la podéis encontrar resumida en este otro blog

Resulta mucho más divertida la nueva tendencia de artistas del lip sync que ha surgido, cómo no, en Youtube. Me refiero a todos esos espontáneos (algunos los llamarán frikies) que se dedican a colgar vídeos con sus versiones de canciones conocidas. Mi favorito y el de mucha gente es Keenan Cahill, un joven norteamericano con aspecto de niño que se hizo universalmente famoso gracias a youtube hace dos años.

Todo comenzó el 28 de Agosto de 2010 al subir su versión "escenificada" del tema Teenage Dream de Katy Perry. El éxito fue inmediato y la cifra de visitantes subió de forma fulgurante hasta convertir a Keenan en toda una celebridad mundial. El vídeo cuenta actualmente con la friolera de más de 54 millones de visitas. Es verdad que cantar no canta, sólo mueve los labios, pero hay que reconocer que "vive" la canción.

Después de este vídeo ha ido colgando muchos más y, tras hacerse famoso, ha terminado por grabar vídeos con los propios artistas a los que había versioneado. También ha hecho sus pinitos como cantante con su voz real.

El mérito de Keenan Cahill se resalta al conocer que nació con la enfermedad de Maroteaux-Lamy, una rara dolencia que afecta al crecimiento y la apariencia física, y que cuando tenía dos años se sometió a un trasplante de médula ósea para detener la evolución de la enfermedad.

Esos cantantes de las guitarritas

Hoy os propongo acercarnos a la música folk, un estilo musical que no está muy de moda en estos tiempos, pero que en la década de los 60 y principios de los 70 llegó a alcanzar un éxito masivo.

La música folk se caracteriza como bien sabéis por el empleo de medios muy simples y muchas de sus grandes estrellas salían al escenario tan sólo con su voz y una guitarra. No quiero decir con ello que se trate de música barata o fácil; su simplicidad nace como una forma de rebeldía frente a la compleja elaboración y el perfeccionismo de otros estilos, como la música de las grandes orquestas o la música clásica.

Se puede decir que la música folk democratiza la música; no hacen falta grandes medios ni una costosa formación de instrumentista. Además, la forma de cantar se hace más sencilla, más cercana, más parecida a la forma natural del habla; de esta forma se entiende mucho mejor la letra.

Nace así la canción protesta y la canción con "mensaje". Cada país tiene su propia música folk, pero     algunos artistas consiguieron traspasar las fronteras y hacerse famosos en todo el mundo, como los norteamericanos Woody Guthrie, Pete Seeger, Joan Baez, o el más famoso de todos, Bob Dylan, quien no destaca precisamente por una gran técnica vocal, pero cuya obra como compositor es patrimonio de la Humanidad.

En lugar de poneros un vídeo de Bob Dylan, os traigo uno de la canadiense Joni Mitchell, mucho menos popular, pero cuya calidad como cantante y sobre todo como compositora va siendo más y más reconocida con el paso del tiempo. 

Aparte de las muchas canciones maravillosas que tiene esta mujer, como "Both sides now", "River", "Woodstock" o "Urge for going", siempre me ha impresionado saber que en su juventud, apremiada por la falta de dinero, tuvo que entregar en adopción a su hija recién nacida. Pocos años más tarde, comenzó a hacerse un hueco como compositora y cantante hasta convertirse en una celebridad, pero no   volvió a contactar con su hija hasta casi treinta años más tarde.

Joni Mitchell no estuvo en Woodstock, el gran macroconcierto de finales de los sesenta, con la filosofía del flower power y todo eso, pero se animó a componer una canción de lo más mística sobre tal evento. 

"We are stardust, we are golden and we've got to get ourselves back to the garden" decía.

Y de Norteamérica a Cuba, donde la música folk se convertía en la nova trova cubana, con sus peculiaridades, y con ilustres representantes como Pablo Milanés y Silvio Rodríguez. En este vídeo vemos una actuación de Silvio en un documental para la televisión sueca con unos cuantos años menos y filmada en La Habana, razón por la que suda tan profusamente el cantante en este vídeo (no debía de haber aire acondicionado). Los aficionados suecos agradecerán la traducción a su idioma.

En España también tuvimos (y tenemos) nuestros cantautores y cantantes protesta, los cuales dieron mucho juego en los años 60 y 70. Aunque hoy en día a los más jóvenes les parezcan "un rollo", artistas como Cecilia, Joan Manuel Serrat o Víctor Manuel nos dejaron auténticas joyas, canciones que son himnos y nos hablan de las cosas nuestras, de aquí y de siempre. 

Aquí os traigo un vídeo para demostraros que no es una música tan antigua, que hasta se hacían videoclips y todo. Cecilia tenía una voz muy dulce y una naturalidad que la hacían encantadora.

El Misterio de las Voces Búlgaras

Algunos de vosotros las recordaréis, porque estuvieron muy de moda a finales de los años 80, gracias a una serie de apariciones en la televisión de diversos países. Se trataba de un coro de mujeres procedentes de Bulgaria, que actuaban ataviadas con trajes típicos de su país y producían una música totalmente diferente a todo lo que hubiéramos oído antes.

Una música interpretada a capella, es decir, sin acompañamiento de instrumentos, y causaban una fascinación difícil de explicar con palabras. En el año 1990 obtuvieron el premio Grammy a la mejor grabación de música étnica o tradicional.

Aquí las tenemos en una actuación insólita en el show de Johnny Carson en la NBC americana.

A pesar de que suena bastante exótica, no deja de ser música europea, una recolección de obras del folklore búlgaro arregladas de forma audaz por compositores de dicho país para el disco "The great Voices of Bulgaria Women's Choir".

La peculiaridad del sonido de estas mujeres proviene en primer lugar de que cantan contraviniendo las doctrinas básicas de la enseñanza vocal clásica, como cantar con el diafragma y no con la garganta o elevar el paladar, etc. Eso les confiere un timbre diferente al de los coros al uso.

En segundo lugar, los arreglos son audaces, con armonías inusuales y cambios de ritmo sorprendentes que las cantantes ejecutan con aparente poco esfuerzo. Además cantan en búlgaro, naturalmente, que también hace mucho para que el conjunto parezca casi extraterrestre (sí, también los trajes ayudan)

Aquí las tenemos en color.

La música de Bulgaria no es demasiado famosa fuera de sus fronteras, y eso que tienen un himno nacional de los más bonitos. A ver si ahora que estamos con las Olimpiadas tenemos la oportunidad de escucharlo de nuevo. Mientras tanto vamos a oír la versión de nuestra cantante favorita Jaimina Johnston para su álbum "The World Project".

Royalty-free music for professional licensing 

No me resisto a poner la letra original y su traducción al español:

Mila Rodino
Gorda Stara planina,
do ney Dunava siney,
sluntse Trakia ogryava,
nad Pirina plameney,
Pripev:
Mila Rodino,
ti si zemen ray,
tvoyta hubost, tvoyta prelest,
ah, te niamat kray.


Querida patria Orgullosa Montaña Vieja,
al lado del Danubio azul,
el Sol ilumina Tracia,
brillando sobre el Pirin.
Estribillo:
Querida Patria,
eres un paraíso terrenal,
tu belleza y tu encanto,
ah, no tienen fin. (bis)

Albumes míticos: "Porgy and Bess"

Hoy os traigo otro de los discos más preciados de mi colección: la mítica grabación de la ópera "Porgy and Bess" compuesta por George Gershwin, interpretada en versión jazz por dos gigantes de la música vocal: Ella Fitzgerald y Louis Armstrong.

"Porgy and Bess" nace en 1926 cuando Gershwin lee la novela "Porgy" escrita por DuBose Heyward y tiene la genial idea de convertirla en una ópera lírica basada en la sensibilidad negra. La obra narra la conmovedora historia de amor entre el negro lisiado Porgy y Bess, la mujer de un asesino y jugador llamado Crown y tiene un final bastante feliz si lo comparamos con otras óperas.

Gershwin realiza una síntesis asombrosa entre la tradición musical clásica y las formas musicales creadas por la comunidad negra americana a principios del siglo XX, lo que conocemos de forma resumida como jazz.

También se ha dicho que, aunque escrita como ópera, "Porgy and Bess" funciona casi mejor como teatro musical, y que la personalidad individual de sus temas es tan fuerte que se han convertido uno por uno en standards del jazz y son revisitados continuamente tanto por cantantes como por instrumentistas. Hablamos de "Summertime" o "It ain't necessarily so", probablemente los temas más populares, pero también de otros tantos magistrales como "I want to stay here, "Bess, you is my woman now", "I got plenty o'nutting" o "Oh Lawd, I'm on my way".

La idea de grabar una versión condensada y en clave jazz parte del productor Norman Granz, quien reúne a dos de las mayores estrellas del jazz de todos los tiempos: Louis Armstrong y Ella Fitzgerald.

Louis Armstrong, un ejemplo increíble de superación personal, se crió en un orfanato. Aprendió a tocar la trompeta hasta llegar a convertirse en uno de los pioneros del jazz y al mismo tiempo uno de los artistas más queridos de Norteamérica. A su dominio de la trompeta aúna un estilo vocal basado en la improvisación que ha marcado la evolución de todo el jazz vocal, cambiando el concepto de cantante que se tenía hasta entonces. Su personalísimo timbre de voz está indisolublemente asociado a canciones que son patrimonio de la Humanidad como "What a wonderful world".

La vida de la cantante Ella Fitzgerald tampoco había sido un lecho de rosas. Nacida en Newport en una situación de pobreza permanente, su padre abandonó el hogar cuando ella era una niña y su madre falleció en accidente de tráfico. Una serie de problemas con la policía llevaron a la joven Ella al reformatorio. Sin embargo, a la edad de 17 años fue descubierta en un concurso de jóvenes talentos y desde entonces no paró de encadenar éxitos como solista de varias orquestas.

El estilo vocal de Ella Fitzgerald, caracterizado desde sus comienzos por una gran perfección de tono, dicción y fraseo, fue evolucionando y haciéndose cada vez más completo, desde sus comienzos en el swing hasta llegar al scat y el be-bop. Hoy en día está considerada junto con Billie Holiday y Sarah Vaughan la cantante más importante e influyente de la historia del jazz.

Louis Armstrong y Ella Fitzgerald ya habían grabado discos juntos antes y su compenetración era perfecta.

Aquí tenemos su interpretación de "It ain't necessarilly so"

 Y aquí os traigo una grabación de 1993 para televisión de la obra completa en su versión operística, protagonizada por la soprano Cynthia Haymon y el baritono Willard White. Como se puede ver la forma de cantar es totalmente diferente. 

Hablar sobre las diferencias entre el canto lírico y el canto popular darían para otra entrada de blog, así que de momento nos quedamos con ambas versiones y que cada uno escoja la que más le guste (yo particularmente me quedo con ambas).

Como curiosidad os traigo también esta otra versión, filmada para el cine en 1959 por Otto Preminger y protagonizada por Sidney Poitier y Dorothy Dandridge, si bien ambos actores fueron doblados en las canciones por cantantes profesionales de ópera. Miss Dandridge era una cantante reconocida, pero su estilo de canto popular no casaba bien con el resto de las voces, que procedían del mundo de la ópera. Sidney Poitier no cantaba nada, pero era un actor muy famoso por aquel entonces y se pensó que mejoraría la taquilla. La verdad es que se le nota bastante que hace playback y su rostro no encaja demasiado bien con la voz del verdadero cantante, que como curiosidad os cuento que era Robert McFerrin, el padre de Bobby McFerrin.

Cinco años después: "So Many Songs"

Queridos seguidores de la música vocal y de Jaimina Johnston en particular, coincidiendo con el quinto aniversario de la publicación de su primer disco "So Many Songs", la cantante lanza una reedición de dicho álbum, conteniendo los doce temas originales que se podían oír en la versión original publicada en Jamendo.com, con un sonido remasterizado o bien con temas que han sido vueltos a grabar por completo.

Hagamos un poco de memoria de lo que supuso este álbum en el momento de su publicación y cómo fue la acogida por parte del público.

Corría el año 2007 y Jaimina Johnston, pese a una larga carrera como cantante de escenario no había encontrado nunca el momento ni la compañía adecuada para estrenarse en un estudio de grabación. Al menos cinco veces en su carrera había decidido abandonar el mundo de la canción y otras tantas había vuelto a los escenarios. La última vez saliendo de una intervención de cuerdas vocales y ya superados sus problemas con la Hacienda Británica.

Su grupo de siempre, The 3Tones estaba disuelto desde hacía años. De los antiguos componentes, rescató al tenor mejicano Adalberto Corona y entró en contacto con dos valores nuevos, James Strogoff, un médico que componía canciones en sus ratos libres y había publicado un disco en Jamendo.com, de título "Inclasificable" y el surcoreano Lee Tan Hyuk, el más joven del grupo, un virtuoso de la música electrónica con voz de contratenor.

Los nuevos 3Tones y Jaimina Johnston comenzaron a preparar un repertorio de canciones de lo más versátil, desde la música clásica al pop, pasando por la música latina o la música disco.

 CANCIONES

La maravillosa "Uno queriendo ser dos" (original de la cantante israelí Noa) abre el álbum de forma vibrante, seguida del himno religioso "Hoy es el día (que actuó el Señor)". Los arreglos a cuatro voces son por supuesto originales, como es costumbre en Jaimina Johnston y su grupo.

El cambio de género musical es incesante, una de las claves de la música de la cantante británica. Una versión a capella de "All I ask of you" del Fantasma de la Opera nos acerca a la comedia musical, mientras que el pop irrumpe con fuerza en uno de los temas favoritos de todo el mundo "Centro de gravedad permanente", original de Franco Battiato.

"Doçe presença" es un delicado homenaje al jazz brasileño encarnado por Ivan Lins, mientras que "Rosas" es una sorprendente versión de un tema del grupo donostiarra La Oreja de Van Gogh.

Uno de los momentos más mágicos del álbum es "Bogoroditse dievo", pieza coral de Rajmaninov, perteneciente a la Misa de Vísperas, considerado por algunos como la obra más lograda de la tradición musical de la Iglesia Rusa Ortodoxa.

Tras este paréntesis clásico, cambio total de estilo a la música de Hollywood, con el famoso "Arthur's Theme" original de Bacharach y David, seguido de dos canciones latinoamericanas: la encantadora "Yo quiero tener un millón de amigos" original de Roberto Carlos, y la Bachata Rosa de Juan Luis Guerra, donde por primera vez el grupo se acompaña también de algunos instrumentos musicales.

 Los dos últimos cortes no pueden ser más distintos: en el primero Jaimina nos pone los pelos de punta interpretando en solitario el clásico de Donny Hathaway "A song for you". El segundo tema cierra el disco con una versión discotequera alucinante del "Désenchantée" original de Mylène Farmer, con ayuda de una base de música electrónica.

La reedición de "So Many Songs" la podéis escuchar íntegra en la plataforma Grooveshark.

Las críticas al álbum fueron en general de lo más elogioso. He rescatado algunas de las vertidas en Jamendo.com:

-"Strange, ghostly, slightly creepy. I dozed through a couple of tracks and had amazing dreams. I think I am going to like this more and more. The vocal arrangements are really good but it's Ms Johnston's voice that makes this album unique. Bravo" 

-"Un grand coup de chapeau a cette artiste chanter a capella c est pas facile .quelle voix c est genial ,moi j adore UN GRAND MERCI A VOUS DE NOUS FAIR PARTAGER VOTRE UNIVERS."

-"I never knew anyone voice could reach such pitches,heights, levels and depths of outstanding per portions in sights and sounds and expressions of vocals. As these singers and Jaimina voice can do in general. Unique, unusual, beautiful, speechless and moved beyond words at times. And other times. I started to doze off into such a bliss filled sleep. As it was charming, loving and warm and so invitingly different."

-"Music, which is joy for ear and hearts. There is essence about young soul Jaimina and such is music too, in simplicity even children's."

-"Against my own interest ( of enthusias listener who can only grind his teeth at the thought of how much of Dame Johnston's career will remain closed to him),I can only admire the steady refusal to record, throught the decades, as she says, her artistic progresses and their dissemination in the record market.If it was due to an astute calculation or to a personal idiosycrasy, doesn't matter: her choice was clear and sage;also, doesn't matter anymore, since three collection so far have resurfaced on Jamendo.But the arrangements we will never listen to, or some others will never listen to again... Anyway, that which is lost to-day, will not remain so for very long."

-"How beautifully cool is this wonderful album.An electrifying performance ...the arrangements are first-rate as are the vocals which are filled with such grace and tenderness.This is an excellent and evocative set of songs and stunningly exquisite. Highly recommended."

-"Most Interesting . . creative and unusual . . . harmonious . .. tuneful . . . very pretty . . . . this singer finds songs that showcase her unique voice . . . Her voice was so high . . almost childlike, yet was able to carry the interest of the listener . . . and acappella . . . my word!!!. . . that's partly what makes it so stunning . .. the sound is very pleasant and people might find it nice to relax to . . . OR just sit in amazement with mouth hanging open like I did . . ." 

Una voz nueva: Esperanza Spalding

No sé si pensáis como yo que la mejor música pop, los mejores cantantes y las mejores canciones provienen de épocas ya algo lejanas, como los años 60-70-80. De hecho casi todos los grandes artistas a los que hemos dedicado aquí un monográfico ya están algo maduritos, se han retirado o incluso han fallecido.

Para que no se me acuse de anticuado y para evitar que este blog se convierta en un blog de música vocal de la tercera edad, he hecho el esfuerzo de pensar en qué nuevas voces de interés han surgido reciéntemente, digamos en los últimos diez años en el panorama musical. Y uno de los pocos nombres que me viene a la cabeza es el de Esperanza Spalding, cantante y bajista nacida en Portland hace 27 años.

Se trata de una artista asombrosa, que ya tocaba varios instrumentos en su más tierna infancia, pero que ha destacado finalmente con el bajo, y también con una voz exquisita, llena de matices, que se funde perfectamente con el sonido de su bajo.

Y aunque su territorio musical es preferentemente el jazz, es una artista con tanta personalidad que trasciende a otros niveles más comerciales y fue capaz incluso de arrebatar el Grammy como Mejor Artista Novel en 2011 a Justin Bieber (razón por la cual las violentas fans de Bieber aún no la han perdonado seguramente).

Es sin duda una artista con muchos de los elementos necesarios para convertirse en una figura, porque además es multicultural (canta también en español y en portugués), y proyecta una imagen hypercool, con su peinado afro y abrazada a su bajo.

A Barack Obama, presidente de los USA, por ejemplo, le gusta mucho, y siempre que puede se la lleva consigo a actuar, ya sea en la Casa Blanca o en la entrega del Premio Nobel de la Paz, que ahora no recordamos muy bien por qué, pero se lo dieron al presidente americano en 2009.

Aquí tenemos una actuación mágica en la mismísima White House.

Por cierto, la canción "Tell him" fue escrita por la otrora gran promesa de la música negra Lauryn Hill, primero solista del grupo The Fugees, quien más tarde nos deslumbró a todos con el álbum "The Miseducation of Lauryn Hill", premio Grammy a Mejor Album del Año 1998, y sin embargo, decidió en determinado momento hacerse a un lado y apartarse de la fama para llevar una vida más tranquila. Esperemos que con Esperanza no nos pase lo mismo.

Aquí tenemos a una Lauryn Hill que ya apuntaba maneras en "Sister Act 2" una pequeña joya de película musical con fantásticos arreglos vocales de Mervyn Warren (ex Take6), de quien ya hemos hablado algún día.