martes, 26 de junio de 2012

Otros mundos, otras voces: la Opera China

Hoy os quiero proponer una forma radicalmente diferente de entender la música vocal. El aislamiento milenario que ha sufrido China la ha llevado a desarrollar una cultura muy propia y diferente del resto del mundo.

Aunque en todos los campos del arte estas diferencias son muy importantes, es quizá en el mundo de la música donde son más acusadas. Por ejemplo, la pintura, la escultura o la arquitectura chinas nos pueden resultar ajenas, pero somos capaces de percibir su belleza; sin embargo, pocos son los occidentales que se atreven a adentrarse en los misterios de la música tradicional china.

Una música tan diferente a la occidental nos produce más bien rechazo o incluso hilaridad. Esto es debido a la falta de puntos comunes con nuestra forma de entender la música, como el empleo de escalas alternativas o instrumentos musicales diferentes.

En el caso de la música vocal, las diferencias son si cabe aun mayores. La forma tradicionalmente "correcta" de cantar en China es casi un compendio de todo lo "prohibido" por los cánones estéticos occidentales, como el abuso de la sonoridad nasal, la predilección por los tonos extremadamente agudos (lo que nosotros  llamaríamos quizás "voces de pito"), los amplísimos vibratos o el empleo de interminables glissandos (deslizamiento de la voz de un tono a otro sin solución de continuidad, emitiendo toda la gama de frecuencias intermedias).

La llamada Opera China es un espectáculo "total", que conjuga teatro, baile y exhibiciones de lucha o kung fu, y por supuesto música instrumental y canto. La forma de cantar es difícil de entender desde nuestra perspectiva occidental, y no sólo porque no entendamos el texto. Para empezar, muchas veces nos cuesta encontrar una línea melódica y en muchas ocasiones se trata de improvisaciones del cantante. Por otra parte, los instrumentos musicales pueden estar acompañando a la voz en un tono totalmente diferente y seguir solo de forma aproximada sus movimientos melódicos.

Como veis, el concepto de tono y de armonía es totalmente diferente. Lo que cuenta en este caso es más la belleza del momento musical, la pericia del cantante y su capacidad de transmitir las emociones de los personajes. Todo esto acompañado de los aparatosos vestuarios, máscaras y maquillajes. Se despoja de valor a conceptos como la naturalidad o la fidelidad a la realidad  y el empleo del simbolismo es máximo.

Aquí os traigo un poco de Kunqu Opera, que es una de las formas más exitosas de ópera china, alcanzando su apogeo entre los siglos XVI y XVIII, pero con algunas piezas como este "Pabellón de Peonias" que todavía se representan hoy en día y han sido declaradas patrimonio cultural de la Humanidad por la UNESCO.



Y este es un fragmento con un estilo diferente, más enérgico, procedente de la Opera de Beijing.





sábado, 9 de junio de 2012

Recordando grandes álbumes vocales: "Amazing Grace" by Aretha Franklin

Volviendo otra vez la vista atrás en busca de aquellos discos que guardo en mi colección como joyas preciosas, hoy os traigo nada menos que el álbum de gospel más vendido de la historia, un trabajo que cumple este año su 40 aniversario.

Se trata de "Amazing Grace", un legendario álbum doble en el que Aretha Franklin, la VOZ con mayúsculas de la música soul, rendía tributo a la música gospel, es decir, a sus orígenes, ya que como todos sabemos la carrera musical de Aretha Franklin nace en los coros de iglesia de su padre, el reverendo C.L. Franklin, un personaje muy influyente en la comunidad afroamericana de los años 60, apodado "La voz del millón de dolares" y uno de los confidentes de Martin Luther King.



Estamos a principios de los setenta y Aretha Franklin se ha convertido en la cantante de soul número uno indiscutible tras encadenar éxitos como "Respect", "Chain of fools", "A natural woman", "Say a little prayer" o "Think". El reto que se plantea ahora es volver a sus raíces y grabar en vivo el mejor álbum de gospel de la historia.

Para ello, reúne los talentos del Southern California Community Choir, dirigido por James Cleveland, con el mismo equipo de músicos de sus discos de soul de la compañía Atlantic, así como los reputados productores Jerry Wexler y Arif Mardin, junto con la voz del reverendo Franklin para las introducciones y los discursos de los interludios, y todo ello además registrado no sólo en audio, sino también grabado por un equipo de cine encabezado por el director Sidney Pollack.

El resultado es un compendio de más de 80 minutos de maravillosa música gospel, vibrante, auténtica, que nos trasporta mentalmente a aquellos años difíciles en los que la segregación racial todavía estaba muy presente en Norteamérica y en los que la música constituía uno de los medios más eficaces para conseguir la unidad de la comunidad negra.

Si no habéis oído nunca este álbum, os recomiendo vivamente que os hagáis con una copia, y os dejéis llevar por la voz de Aretha, su asombrosa variedad de registros vocales, su dominio inigualable del ritmo y su fuerza expresiva. También por la poderosa banda instrumental y por las complejas armonías corales.
Además, tenemos también la oportunidad de comprobar el gran talento (aunque no tan conocido) de Aretha Franklin al piano.

Por desgracia, la filmación del concierto nunca llegó a las pantallas y permanece inédita en alguna estantería, a la espera, según las malas lenguas, de que se produzca la desaparición de la ahora añosa cantante, y aprovechar así para realizar un lanzamiento masivo del DVD.

Mientras tanto, disponemos del trailer de la película, incluyendo extractos de uno de los mejores temas del álbum "How I got over".


 Es sin duda un álbum para escuchar de un tirón, sin cortes que nos impidan sumergirnos en ese ambiente de misa gospel de iglesia norteamericana años 70. Yo me trago hasta los parlamentos del reverendo Franklin.
Las canciones son tan buenas cuando son lentas, meditativas ("Wholy Holy" o el tema que da título al álbum), permitiendo a la cantante expresar toda su sensibilidad, como cuando son rápidas y emplean el típico estilo frase-respuesta de la música gospel, como en la demoledora "The Old Landmark", una de mis favoritas.



 Tras "Amazing Grace" la carrera de Aretha Franklin pierde algo de protagonismo, a pesar de la publicación en 1973 de un álbum magistral "Hey Now Hey (The Other Side of the Sky)" producido por Quincy Jones. Más tarde, en los años 80, su estrella vuelve a recuperar parte del brillo, y desde entonces conserva su puesto bien ganado como leyenda del soul de todos los tiempos.







martes, 5 de junio de 2012

Ya podemos oír "Jaiminology" el nuevo álbum de Jaimina Johnston

Por fin tenemos ya el nuevo disco de Jaimina Johnston, que como ya habíamos adelantado, es un disco recopilatorio de sus mejores canciones de anteriores álbumes, a los que se añaden algunas canciones totalmente nuevas (9).



El listado de canciones nuevas es el siguiente (título y artista original):

1-Te quiero (José Luis Perales)
2-Samba de uma nota so (Antonio C. Jobim)
3-Castillos en el aire (Alberto Cortez)
4-Didn't we almost have it all (homenaje a Whitney Houston)
5-Offertorium (un fragmento del Requiem de Mozart)
6-Maitia nun zira (una canción tradicional en euskera)
7-Rosas en el mar (Luis Eduardo Aute /Massiel)
8-La bohème (Charles Aznavour)
9-Ne me quitte pas (Jacques Brel)
 
Aquí podéis oír todas las canciones del álbum.

Jaiminology by lee tan hyuk on Grooveshark

En cuanto a la elección de los grandes éxitos, la verdad es que nos gustan mucho los temas elegidos, pero yo particularmente echo en falta algunos "imprescindibles" de Jaimina Johnston, como "Millón de Amigos", "Strolling", "Ni una sola palabra", "Over the rainbow" o "Qué bonito", por decir los que se me vienen a la cabeza.

jueves, 24 de mayo de 2012

Forever Bee Gees

El mundo de la música está nuevamente de luto con la pérdida de Robin Gibb, uno de los dos miembros supervivientes de los legendarios Bee Gees (el único que queda ahora es Barry Gibb).

Sirva esta triste noticia para que la comunidad musical y las nuevas generaciones conozcan un poco mejor el enorme éxito de los Bee Gees en su época dorada, así como el gran talento de sus componentes, los hermanos Robin, Barry y Maurice Gibb (por el orden en el que aparecen en la foto).


Los Bee Gees tuvieron una trayectoria de lo más atípica, con sucesivos ascensos y caídas durante una carrera de más de treinta años.
El documental "This is where I came in", cuyos fragmentos podéis encontrar fácilmente en youtube,  nos explica todas sus andanzas desde que eran niños en los años 40 hasta el 2001, dos años antes de la desaparición de Maurice.

Es un documental muy recomendable, en el que los hermanos van contando toda su historia, con filmaciones familiares de cuando eran niños en Manchester, después en Australia, donde comenzó su carrera como trío juvenil ¡en los años 60!, el regreso triunfal a Inglaterra, el éxito descomunal de "Fiebre del sábado noche" que volvió a encumbrarlos a finales de los 70..., incluso tenemos una entrevista con la mamá de los Bee Gees!

Os traigo dos capítulos de este documental (en inglés), el primero sobre su infancia, y el segundo sobre sus momentos de mayor éxito en los años 70.





Y aunque gran parte del documental es pura propaganda del grupo, los hermanos tampoco rehúsan hablar de sus problemas con el alcohol o las drogas (que precipitaron el fallecimiento de su hermano pequeño también cantante Andy Gibb). 
También nos enteramos aquí de que Maurice y Robin eran hermanos mellizos, no idénticos, y que a lo largo de su carrera el grupo se disolvió varias veces por diferencias y celos profesionales entre Robin y Barry, que eran las personalidades más fuertes del grupo, mientras que Maurice era el que ponía la paz entre hermanos.

El legado del grupo no se limita sólo al sonido inconfundible de sus armonías a tres voces en falsetto, sino que incluye también su enorme talento como compositores, tanto de sus propios éxitos ("Saturday night fever", "Too much Heaven", "Staying alive", "You should be dancing", "How deep is your love", etc), como de canciones para otros, como "Guilty" y "Woman in love" para Barbra Streisand, "Chain reaction" para Diana Ross o "Heartbreaker" para Dionne Warwick.

Por último destacar que la propia Jaimina Johnston en su página de Myspace nombraba a los Bee Gees como una de sus referencias musicales clave.

Aquí os pongo también algunas direcciones interesantes de blogs sobre los Bee Gees en español.

http://beegeeszaragoza.blogia.com

http://reygibb.blogspot.com.es/p/bee-gees.html

http://blogs.lainformacion.com/prueba-sonido-musical/2012/05/22/robin-gibb-y-los-bee-gees-a-traves-de-siete-videos/



viernes, 18 de mayo de 2012

El último baile de Donna Summer

Nos hemos despertado hoy con la triste noticia de la desaparición por enfermedad de la eterna "Reina de la música disco", Donna Summer.

La cantante, nacida en Boston, Massachussets, no tuvo unos comienzos fáciles en el mundo de la música profesional. Comenzó a cantar de niña en el coro de la iglesia, de ahí la indudable influencia del gospel en su forma de cantar.

Más tarde, cuando ya decidió dedicarse a la música de forma profesional, tuvo que dar muchas vueltas hasta encontrar su sitio. Y fue nada menos que en Alemania, de la mano del productor Giorgio Moroder, un visionario de la música electro-disco, y cuando Donna ya tenía 27 años y estaba casada y separada.

Con Moroder grabó el hit "Love to love you baby", una canción de música disco con un contenido muy atrevido que supuso un auténtico escándalo (más tarde la propia Donna tuvo una reconversión religiosa y se negó a incluirla en sus propios conciertos).

Esta canción abrió el camino de Donna Summer hacia el éxito, con una fórmula de música disco-soul, sin los malabarismos vocales de los cantantes de soul tradicionales, empleando un estilo más directo y comercial, pero manteniendo tanto un timbre como un acento rítmico inequívocamente "negros".

Hablar de sus canciones más conocidas es hablar de megahits como "I feel love", "MacArthur Park", "Last dance", "Hot girls", "She works hard for her money", "On the radio"o "Hot stuff".

En 1979 se atreve incluso a hacer un dueto con Barbra Streisand, con la canción "(No more tears) Enough is enough", en una época de coqueteo de la neoyorquina con la música disco.


Los avispados productores (Klein y Moroder) plantearon la colaboración como un auténtico "duelo" entre divas. No hay más que ver la foto de la portada del single, dándose la espalda, y la cara de mosqueo de Donna Summer. El resultado se puede decir que fue un empate artístico, a la vez que un enorme éxito comercial. Aunque ahora la letra nos parezca un poco naif, la canción se convirtió además en una suerte de himno feminista en su momento.

También os traigo este otro vídeo con el hit "Last dance", perteneciente a la banda sonora de la película "Por fin ya es viernes", que se llevó además el Oscar a la mejor canción en 1979.



sábado, 12 de mayo de 2012

"Jaiminology"

Estamos de enhorabuena, queridos seguidores de Jaimina Johnston: por fin se acerca el lanzamiento de su nuevo disco, el largamente anunciado álbum recopilatorio de grandes éxitos que llevará el nombre de "Jaiminology" e incluirá también algunos temas nuevos, como esta grandiosa versión del "Te quiero" de José Luis Perales.

Gracias al vídeo hemos conocido también la portada del nuevo álbum, en la que aparece representada la cantante con una original figura de papiroflexia.



Aún no sabemos el listado definitivo de canciones, pero esperamos que incluya alguna de las sugerencias que hicimos en este blog

lunes, 7 de mayo de 2012

Número Uno: ¡los concursos de cantantes atacan de nuevo!

Antena 3 nos ha traído este año un nuevo "talent show" de cantantes: "Número Uno", siguiendo más o menos la estela de otros concursos anteriores, como Operación Triunfo o X-Factor, si bien con algunas diferencias.

La diferencia más llamativa puede ser la incorporación de un jurado compuesto por cantantes profesionales de prestigio contrastado, como Miguel Bosé, Ana Torroja, Sergio Dalma, David Bustamante y Natalia Jiménez (la solista de La Quinta Estación).

Además, los miembros del jurado no sólo valoran a los concursantes y tienen la potestad de blindar a sus favoritos de posibles eliminaciones, también han contribuido en la selección inicial de los concursantes.

Quizás en este punto es donde mayor diferencia hemos notado respecto de las últimas ediciones de OT, en una mayor calidad vocal de los seleccionados y también una mayor variedad de sus perfiles. Porque hemos tenido desde cantantes de ópera (la ya eliminada Dana Kozac) a veteranos del bolero y la ranchera (Alberto Pestaña), pasando por artistas de cabaret (Lady Cherry), comedia musical (Roko) y hasta una niña prodigio (Amaia Romero, también eliminada ya lamentablemente).

Sí, también tenemos los típicos guaperas que no cantan mucho pero que sobreviven a cualquier nominación gracias al apoyo del público adolescente femenino (las incombustibles "fans carpeteras"), pero en general el programa permite oír música bastante variada en estilo.

 
A mí particularmente terminan por aburrime un poco este tipo de concursos, pero hay que reconocer que son una plataforma ideal para descubrir nuevos talentos, que los hay. Y si no, que se lo digan a David Bustamante, que de no ser por OT1 podría haber seguido trabajando de albañil toda su vida.

Podéis encontrar más información y vídeos de las actuaciones en la página oficial del programa:
http://www.antena3.com/programas/numero-uno/

Pero mucho más divertido es leer los comentarios de este foro no-oficial sobre el programa
http://www.larevistaforo.com/f27-articulos-sobre-numero-1