jueves, 24 de mayo de 2012

Forever Bee Gees

El mundo de la música está nuevamente de luto con la pérdida de Robin Gibb, uno de los dos miembros supervivientes de los legendarios Bee Gees (el único que queda ahora es Barry Gibb).

Sirva esta triste noticia para que la comunidad musical y las nuevas generaciones conozcan un poco mejor el enorme éxito de los Bee Gees en su época dorada, así como el gran talento de sus componentes, los hermanos Robin, Barry y Maurice Gibb (por el orden en el que aparecen en la foto).


Los Bee Gees tuvieron una trayectoria de lo más atípica, con sucesivos ascensos y caídas durante una carrera de más de treinta años.
El documental "This is where I came in", cuyos fragmentos podéis encontrar fácilmente en youtube,  nos explica todas sus andanzas desde que eran niños en los años 40 hasta el 2001, dos años antes de la desaparición de Maurice.

Es un documental muy recomendable, en el que los hermanos van contando toda su historia, con filmaciones familiares de cuando eran niños en Manchester, después en Australia, donde comenzó su carrera como trío juvenil ¡en los años 60!, el regreso triunfal a Inglaterra, el éxito descomunal de "Fiebre del sábado noche" que volvió a encumbrarlos a finales de los 70..., incluso tenemos una entrevista con la mamá de los Bee Gees!

Os traigo dos capítulos de este documental (en inglés), el primero sobre su infancia, y el segundo sobre sus momentos de mayor éxito en los años 70.





Y aunque gran parte del documental es pura propaganda del grupo, los hermanos tampoco rehúsan hablar de sus problemas con el alcohol o las drogas (que precipitaron el fallecimiento de su hermano pequeño también cantante Andy Gibb). 
También nos enteramos aquí de que Maurice y Robin eran hermanos mellizos, no idénticos, y que a lo largo de su carrera el grupo se disolvió varias veces por diferencias y celos profesionales entre Robin y Barry, que eran las personalidades más fuertes del grupo, mientras que Maurice era el que ponía la paz entre hermanos.

El legado del grupo no se limita sólo al sonido inconfundible de sus armonías a tres voces en falsetto, sino que incluye también su enorme talento como compositores, tanto de sus propios éxitos ("Saturday night fever", "Too much Heaven", "Staying alive", "You should be dancing", "How deep is your love", etc), como de canciones para otros, como "Guilty" y "Woman in love" para Barbra Streisand, "Chain reaction" para Diana Ross o "Heartbreaker" para Dionne Warwick.

Por último destacar que la propia Jaimina Johnston en su página de Myspace nombraba a los Bee Gees como una de sus referencias musicales clave.

Aquí os pongo también algunas direcciones interesantes de blogs sobre los Bee Gees en español.

http://beegeeszaragoza.blogia.com

http://reygibb.blogspot.com.es/p/bee-gees.html

http://blogs.lainformacion.com/prueba-sonido-musical/2012/05/22/robin-gibb-y-los-bee-gees-a-traves-de-siete-videos/



viernes, 18 de mayo de 2012

El último baile de Donna Summer

Nos hemos despertado hoy con la triste noticia de la desaparición por enfermedad de la eterna "Reina de la música disco", Donna Summer.

La cantante, nacida en Boston, Massachussets, no tuvo unos comienzos fáciles en el mundo de la música profesional. Comenzó a cantar de niña en el coro de la iglesia, de ahí la indudable influencia del gospel en su forma de cantar.

Más tarde, cuando ya decidió dedicarse a la música de forma profesional, tuvo que dar muchas vueltas hasta encontrar su sitio. Y fue nada menos que en Alemania, de la mano del productor Giorgio Moroder, un visionario de la música electro-disco, y cuando Donna ya tenía 27 años y estaba casada y separada.

Con Moroder grabó el hit "Love to love you baby", una canción de música disco con un contenido muy atrevido que supuso un auténtico escándalo (más tarde la propia Donna tuvo una reconversión religiosa y se negó a incluirla en sus propios conciertos).

Esta canción abrió el camino de Donna Summer hacia el éxito, con una fórmula de música disco-soul, sin los malabarismos vocales de los cantantes de soul tradicionales, empleando un estilo más directo y comercial, pero manteniendo tanto un timbre como un acento rítmico inequívocamente "negros".

Hablar de sus canciones más conocidas es hablar de megahits como "I feel love", "MacArthur Park", "Last dance", "Hot girls", "She works hard for her money", "On the radio"o "Hot stuff".

En 1979 se atreve incluso a hacer un dueto con Barbra Streisand, con la canción "(No more tears) Enough is enough", en una época de coqueteo de la neoyorquina con la música disco.


Los avispados productores (Klein y Moroder) plantearon la colaboración como un auténtico "duelo" entre divas. No hay más que ver la foto de la portada del single, dándose la espalda, y la cara de mosqueo de Donna Summer. El resultado se puede decir que fue un empate artístico, a la vez que un enorme éxito comercial. Aunque ahora la letra nos parezca un poco naif, la canción se convirtió además en una suerte de himno feminista en su momento.

También os traigo este otro vídeo con el hit "Last dance", perteneciente a la banda sonora de la película "Por fin ya es viernes", que se llevó además el Oscar a la mejor canción en 1979.



sábado, 12 de mayo de 2012

"Jaiminology"

Estamos de enhorabuena, queridos seguidores de Jaimina Johnston: por fin se acerca el lanzamiento de su nuevo disco, el largamente anunciado álbum recopilatorio de grandes éxitos que llevará el nombre de "Jaiminology" e incluirá también algunos temas nuevos, como esta grandiosa versión del "Te quiero" de José Luis Perales.

Gracias al vídeo hemos conocido también la portada del nuevo álbum, en la que aparece representada la cantante con una original figura de papiroflexia.



Aún no sabemos el listado definitivo de canciones, pero esperamos que incluya alguna de las sugerencias que hicimos en este blog

lunes, 7 de mayo de 2012

Número Uno: ¡los concursos de cantantes atacan de nuevo!

Antena 3 nos ha traído este año un nuevo "talent show" de cantantes: "Número Uno", siguiendo más o menos la estela de otros concursos anteriores, como Operación Triunfo o X-Factor, si bien con algunas diferencias.

La diferencia más llamativa puede ser la incorporación de un jurado compuesto por cantantes profesionales de prestigio contrastado, como Miguel Bosé, Ana Torroja, Sergio Dalma, David Bustamante y Natalia Jiménez (la solista de La Quinta Estación).

Además, los miembros del jurado no sólo valoran a los concursantes y tienen la potestad de blindar a sus favoritos de posibles eliminaciones, también han contribuido en la selección inicial de los concursantes.

Quizás en este punto es donde mayor diferencia hemos notado respecto de las últimas ediciones de OT, en una mayor calidad vocal de los seleccionados y también una mayor variedad de sus perfiles. Porque hemos tenido desde cantantes de ópera (la ya eliminada Dana Kozac) a veteranos del bolero y la ranchera (Alberto Pestaña), pasando por artistas de cabaret (Lady Cherry), comedia musical (Roko) y hasta una niña prodigio (Amaia Romero, también eliminada ya lamentablemente).

Sí, también tenemos los típicos guaperas que no cantan mucho pero que sobreviven a cualquier nominación gracias al apoyo del público adolescente femenino (las incombustibles "fans carpeteras"), pero en general el programa permite oír música bastante variada en estilo.

 
A mí particularmente terminan por aburrime un poco este tipo de concursos, pero hay que reconocer que son una plataforma ideal para descubrir nuevos talentos, que los hay. Y si no, que se lo digan a David Bustamante, que de no ser por OT1 podría haber seguido trabajando de albañil toda su vida.

Podéis encontrar más información y vídeos de las actuaciones en la página oficial del programa:
http://www.antena3.com/programas/numero-uno/

Pero mucho más divertido es leer los comentarios de este foro no-oficial sobre el programa
http://www.larevistaforo.com/f27-articulos-sobre-numero-1


sábado, 21 de abril de 2012

Quincy Jones' "Back on the Block"

Recordando los mejores álbumes vocales de la historia os traigo hoy un disco auténticamente imprescindible.
Se trata de un trabajo producido por el maestro Quincy Jones en 1989 que obtuvo la friolera de siete premios Grammy, para un total de 25 en toda su carrera profesional, que abarca desde los años 50 hasta la actualidad.

Es un álbum concebido para ser "lo más de lo más", una especie de resumen de la música negra de la segunda mitad del siglo XX, mezclando de una forma increíble el jazz, el hip-hop, la música electrónica, el soul, la música brasileña, el canto zulú, el gospel... A veces estos proyectos tan ambiciosos terminan siendo un desastre, pero la mano sabia de Quincy Jones consigue que el equilibrio del conjunto sea perfecto.

El listado de artistas que colaboran en el disco lo dice todo: Ray Charles, Chaka Khan, Dionne Warwick, Barry White, Luther Vandross, Siedah Garrett, Bobby McFerrin, Al Jarreau, Take 6, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, James Ingram, Al B. Sure, Tevin Campbell, el coro de Andrae Crouch y los raperos Ice-T, Big Daddy Kane, Kool Moe Dee y Melle Mel. Y en cuanto a instrumentistas aparecen nombre legendarios como Miles Davis, Dizzy Gillespie, Herbie Hancock, James Moody, Gerald Albright, George Benson, George Duke, Joe Zawinul o Sheila E. entre otros.

En cuanto a las canciones, el álbum rescata algunos temas antiguos como "Birdland" de Weather Report o "I'll be good to you" de The Brothers Johnson y los alterna con canciones nuevas, nacidas sobre todo del talento de Ian Prince, Siedah Garrett, Rod Temperton (autor de muchos éxitos de Michael Jackson) y el propio Quincy Jones.

El resultado es deslumbrante. Muchas veces se ha acusado a Quincy Jones de que sus producciones resultan demasiado perfectas, demasiado pulidas y de que algunos de sus discos tienen un sonido anticuado, con arreglos un poco empalagosos. Sin embargo, han pasado ya 23 años desde que saliera al mercado y este disco sigue manteniendo toda su fuerza y no nos cansamos de oír sus canciones.

Todos los cortes son espléndidos, pero ya que estamos en un blog de música vocal, vamos a recordar este "We B doin' it", interpretado rigurosamente a capella, con Bobby McFerrin actuando de bajo, Quincy Jones haciendo beatbox para crear la percusión, los coros de Take 6 y como solistas nada menos que Ella Fitzgerald, Al Jarreau ,Siedah Garrett y Sara Vaughan, demostrando que no hace falta usar instrumentos para hacer música funky.




jueves, 19 de abril de 2012

Autotune: ¿música o fraude?

Autotune es un programa de ordenador creado por la compañía Antares Audio Technologie para alterar el pitch (altura tonal o tono) de las voces corrigiendo las pequeñas desviaciones hasta conseguir que la afinación sea perfecta.

Este programa comenzó a ser muy conocido en 1998, gracias a la canción "Believe" de la cantante norteamericana Cher, quien empleó el autotune en dicha canción, consiguiendo un efecto de "voz de robot" muy llamativo.


Esta canción tuvo, si recordáis, mucho éxito y a partir de entonces proliferaron las grabaciones haciendo uso o abuso de esta tecnología, por ejemplo en discos de T-Pain, Snoop Dogg o Lil Wayne.
Y también surgió la controversia, porque una cosa es emplear el Autotune de una forma creativa, consiguiendo sonoridades nuevas de la voz, y otra muy diferente utilizarlo para corregir las desafinaciones de un cantante mediocre.

En el tema "Believe" por ejemplo, son evidentes los momentos en los que interviene el Autotune, porque los parámetros del programa están llevados al extremo, eliminando por completo los tonos intermedios, de forma que la deformación de la voz es muy clara. Sin embargo, dicen las malas lenguas, incluyendo profesionales de los estudios de grabación, que el Autotune está presente de una forma más o menos sutil en casi toda la música comercial que escuchamos, incluso cuando se trata de grabaciones en vivo.

En el año 2010 hubo una fuerte polémica al descubrirse que se había empleado Autotune para corregir las desafinaciones de varios concursantes de la edición británica del concurso de talentos X-Factor, lo cual suponía una forma de adulterar la competición.
 
Por otro lado, algunos grupos como los Gregory Brothers van un paso más lejos y utilizan el Autotune para crear una canción a partir de una noticia (bastante triste por cierto) de la televisión. Toman a un testigo hablando y con el Autotune logran que cante; nace así la increíble "Bed Intruder Song", el vídeo más visto en Youtube en 2010.


A mucha gente le pareció mal que se hiciera un vídeo riéndose de un asunto tan serio y también de los estereotipos de la comunidad negra de EEUU, pero al final el propio protagonista del vídeo Antoine Dodson terminó agradeciendo esa fama caída del cielo y, con mucho sentido del humor, hasta se aventuró a cantar la canción para el público, no sé si con Autotune o a pelo.




martes, 3 de abril de 2012

La "Fuga Geográfica" de Ernst Toch

"Trinidad!!..
and the big Mississippi, and the town Honolulu, and the lake Titicaca
Popocatepetl is not in Canada, rather in Mexico, Mexico, Mexico
Canada, Malaga, Rimini, Brindisi,
Yes, Tibet, Tibet, Tibet, Tibet
Nagasaki, Yokohama...."

Con esta letra tan absurda se construye la famosa "Fuga Geográfica" del compositor vienés Ernst Toch.
Lo sorprendente de esta obra es que tiene letra y ritmo, pero lo que no tiene es melodía. Para complicarlo más, está compuesta a cuatro voces, que van entrando sucesivamente al modo de una fuga, pero sin una entonación verdadera, simplemente entonando de una forma casual como lo haríamos al hablar.

Para entender cómo queda el resultado, nada mejor que ver este vídeo de un grupo de músicos de USA que se hacen llamar Asterisk.


Aunque en realidad la obra está compuesta y suena mejor para un coro completo, como este del Liceo Scientifico Niccolò Copernico de Udine, Italia, que la interpreta con un ritmo algo más rápido.



En este otro vídeo se han dedicado a añadir imágenes de los distintos lugares citados en la obra, con lo cual queda más divertido aún.