Estamos de enhorabuena, queridos seguidores de Jaimina Johnston: por fin se acerca el lanzamiento de su nuevo disco, el largamente anunciado álbum recopilatorio de grandes éxitos que llevará el nombre de "Jaiminology" e incluirá también algunos temas nuevos, como esta grandiosa versión del "Te quiero" de José Luis Perales.
Gracias al vídeo hemos conocido también la portada del nuevo álbum, en la que aparece representada la cantante con una original figura de papiroflexia.
Aún no sabemos el listado definitivo de canciones, pero esperamos que incluya alguna de las sugerencias que hicimos en este blog
Antena 3 nos ha traído este año un nuevo "talent show" de cantantes: "Número Uno", siguiendo más o menos la estela de otros concursos anteriores, como Operación Triunfo o X-Factor, si bien con algunas diferencias.
La diferencia más llamativa puede ser la incorporación de un jurado compuesto por cantantes profesionales de prestigio contrastado, como Miguel Bosé, Ana Torroja, Sergio Dalma, David Bustamante y Natalia Jiménez (la solista de La Quinta Estación).
Además, los miembros del jurado no sólo valoran a los concursantes y tienen la potestad de blindar a sus favoritos de posibles eliminaciones, también han contribuido en la selección inicial de los concursantes.
Quizás en este punto es donde mayor diferencia hemos notado respecto de las últimas ediciones de OT, en una mayor calidad vocal de los seleccionados y también una mayor variedad de sus perfiles. Porque hemos tenido desde cantantes de ópera (la ya eliminada Dana Kozac) a veteranos del bolero y la ranchera (Alberto Pestaña), pasando por artistas de cabaret (Lady Cherry), comedia musical (Roko) y hasta una niña prodigio (Amaia Romero, también eliminada ya lamentablemente).
Sí, también tenemos los típicos guaperas que no cantan mucho pero que sobreviven a cualquier nominación gracias al apoyo del público adolescente femenino (las incombustibles "fans carpeteras"), pero en general el programa permite oír música bastante variada en estilo.
A mí particularmente terminan por aburrime un poco este tipo de concursos, pero hay que reconocer que son una plataforma ideal para descubrir nuevos talentos, que los hay. Y si no, que se lo digan a David Bustamante, que de no ser por OT1 podría haber seguido trabajando de albañil toda su vida.
Podéis encontrar más información y vídeos de las actuaciones en la página oficial del programa:
Recordando los mejores álbumes vocales de la historia os traigo hoy un disco auténticamente imprescindible.
Se trata de un trabajo producido por el maestro Quincy Jones en 1989 que obtuvo la friolera de siete premios Grammy, para un total de 25 en toda su carrera profesional, que abarca desde los años 50 hasta la actualidad.
Es un álbum concebido para ser "lo más de lo más", una especie de resumen de la música negra de la segunda mitad del siglo XX, mezclando de una forma increíble el jazz, el hip-hop, la música electrónica, el soul, la música brasileña, el canto zulú, el gospel... A veces estos proyectos tan ambiciosos terminan siendo un desastre, pero la mano sabia de Quincy Jones consigue que el equilibrio del conjunto sea perfecto.
El listado de artistas que colaboran en el disco lo dice todo: Ray Charles, Chaka Khan, Dionne Warwick, Barry White, Luther Vandross, Siedah Garrett, Bobby McFerrin, Al Jarreau, Take 6, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, James Ingram, Al B. Sure, Tevin Campbell, el coro de Andrae Crouch y los raperos Ice-T, Big Daddy Kane, Kool Moe Dee y Melle Mel. Y en cuanto a instrumentistas aparecen nombre legendarios como Miles Davis, Dizzy Gillespie, Herbie Hancock, James Moody, Gerald Albright, George Benson, George Duke, Joe Zawinul o Sheila E. entre otros.
En cuanto a las canciones, el álbum rescata algunos temas antiguos como "Birdland" de Weather Report o "I'll be good to you" de The Brothers Johnson y los alterna con canciones nuevas, nacidas sobre todo del talento de Ian Prince, Siedah Garrett, Rod Temperton (autor de muchos éxitos de Michael Jackson) y el propio Quincy Jones.
El resultado es deslumbrante. Muchas veces se ha acusado a Quincy Jones de que sus producciones resultan demasiado perfectas, demasiado pulidas y de que algunos de sus discos tienen un sonido anticuado, con arreglos un poco empalagosos. Sin embargo, han pasado ya 23 años desde que saliera al mercado y este disco sigue manteniendo toda su fuerza y no nos cansamos de oír sus canciones.
Todos los cortes son espléndidos, pero ya que estamos en un blog de música vocal, vamos a recordar este "We B doin' it", interpretado rigurosamente a capella, con Bobby McFerrin actuando de bajo, Quincy Jones haciendo beatbox para crear la percusión, los coros de Take 6 y como solistas nada menos que Ella Fitzgerald, Al Jarreau ,Siedah Garrett y Sara Vaughan, demostrando que no hace falta usar instrumentos para hacer música funky.
Autotune es un programa de ordenador creado por la compañía Antares Audio Technologie para alterar el pitch (altura tonal o tono) de las voces corrigiendo las pequeñas desviaciones hasta conseguir que la afinación sea perfecta.
Este programa comenzó a ser muy conocido en 1998, gracias a la canción "Believe" de la cantante norteamericana Cher, quien empleó el autotune en dicha canción, consiguiendo un efecto de "voz de robot" muy llamativo.
Esta canción tuvo, si recordáis, mucho éxito y a partir de entonces proliferaron las grabaciones haciendo uso o abuso de esta tecnología, por ejemplo en discos de T-Pain, Snoop Dogg o Lil Wayne.
Y también surgió la controversia, porque una cosa es emplear el Autotune de una forma creativa, consiguiendo sonoridades nuevas de la voz, y otra muy diferente utilizarlo para corregir las desafinaciones de un cantante mediocre.
En el tema "Believe" por ejemplo, son evidentes los momentos en los que interviene el Autotune, porque los parámetros del programa están llevados al extremo, eliminando por completo los tonos intermedios, de forma que la deformación de la voz es muy clara. Sin embargo, dicen las malas lenguas, incluyendo profesionales de los estudios de grabación, que el Autotune está presente de una forma más o menos sutil en casi toda la música comercial que escuchamos, incluso cuando se trata de grabaciones en vivo.
En el año 2010 hubo una fuerte polémica al descubrirse que se había empleado Autotune para corregir las desafinaciones de varios concursantes de la edición británica del concurso de talentos X-Factor, lo cual suponía una forma de adulterar la competición.
Por otro lado, algunos grupos como los Gregory Brothers van un paso más lejos y utilizan el Autotune para crear una canción a partir de una noticia (bastante triste por cierto) de la televisión. Toman a un testigo hablando y con el Autotune logran que cante; nace así la increíble "Bed Intruder Song", el vídeo más visto en Youtube en 2010.
A mucha gente le pareció mal que se hiciera un vídeo riéndose de un asunto tan serio y también de los estereotipos de la comunidad negra de EEUU, pero al final el propio protagonista del vídeo Antoine Dodson terminó agradeciendo esa fama caída del cielo y, con mucho sentido del humor, hasta se aventuró a cantar la canción para el público, no sé si con Autotune o a pelo.
"Trinidad!!..
and the big Mississippi, and the town Honolulu, and the lake Titicaca
Popocatepetl is not in Canada, rather in Mexico, Mexico, Mexico
Canada, Malaga, Rimini, Brindisi,
Yes, Tibet, Tibet, Tibet, Tibet
Nagasaki, Yokohama...."
Con esta letra tan absurda se construye la famosa "Fuga Geográfica" del compositor vienés Ernst Toch.
Lo sorprendente de esta obra es que tiene letra y ritmo, pero lo que no tiene es melodía. Para complicarlo más, está compuesta a cuatro voces, que van entrando sucesivamente al modo de una fuga, pero sin una entonación verdadera, simplemente entonando de una forma casual como lo haríamos al hablar.
Para entender cómo queda el resultado, nada mejor que ver este vídeo de un grupo de músicos de USA que se hacen llamar Asterisk.
Aunque en realidad la obra está compuesta y suena mejor para un coro completo, como este del Liceo Scientifico Niccolò Copernico de Udine, Italia, que la interpreta con un ritmo algo más rápido.
En este otro vídeo se han dedicado a añadir imágenes de los distintos lugares citados en la obra, con lo cual queda más divertido aún.
Aunque Todd Rundgren no sea muy conocido en España, este polifacético artista tiene una legión de admiradores en el resto del mundo, especialmente en su país natal, EEUU.
Compositor, letrista, cantante, multiinstrumentista, productor e ingeniero de grabación, en todas estas facetas ha sido considerado un genio por la crítica, sobre todo por su trabajo en los años 70 y 80.
Aupado a la fama a principios de los 70 por canciones como "Hello, it's me" o "We gotta get you a woman", su estilo muestra una mezcla de diversas influencias, comenzando por el pop británico (The Beatles) y va tocando uno a uno a lo largo de su carrera todos los géneros, incluyendo el soul o el rock progresivo.
Artista muy inquieto e innovador, siempre en el límite de la experimentación con las nuevas tecnologías, especialmente desde su faceta de productor/ingeniero de grabación, en álbumes como "A wizard, a true star" utiliza todo tipo de sonidos pregrabados para elaborar un complejo collage sonoro sin apenas interrupciones y cuajado de soberbias melodías propias.
Todd Rundgren alterna durante años su trabajo al frente de la banda de rock progresivo "Utopia" con proyectos personales, como el álbum que os traigo hoy a este blog, "A capella".
Como su nombre indica, se trata de un álbum en el que no interviene ningún instrumento, solamente la voz humana u otros sonidos naturales como palmas, etc. Sin embargo, muchos de estos sonidos son procesados mediante técnicas de overdubbing (grabar varias voces una encima de otra) o también empleando un E-mu Emulator (uno de los primeros samplers allá por los primeros años 80), que permite construir completos instrumentos a partir de un sonido en concreto, simplemente alterando su frecuencia para dar lugar a toda la escala musical.
De esta manera Todd Rundgren consigue reproducir todos los instrumentos de una banda de rock haciéndonos olvidar en algún momento que todos los sonidos que oímos son vocales.
Más allá de la innovación técnica o la pericia como productor, en mi opinión el punto fuerte del álbum es la increíble calidad de composiciones como "Pretending to care" o "Honest work", tanto en la profundidad de las letras como en lo interesante de los arreglos multivocales, que emplean armonías mucho más ricas y originales que las habitualmente empleadas en la música pop-rock.
Hemos hablado muchas veces en este blog sobre la posible salida de un álbum recopilatorio de las mejores canciones de Jaimina Johnston. Es un proyecto largamente anunciado pero que se ha venido demorando a lo largo del tiempo.
Se me ha ocurrido que entre todos los lectores de este blog podríamos sugerir qué canciones podrían componer ese futuro disco con lo mejor de lo mejor de la diva de Liverpool.
Para refrescaros la memoria os doy el listado completo de los temas de todos los álbumes publicados por Jaimina Johnston.
Si queréis participar en esta votación solo tenéis que abrir un comentario y decir qué canciones son las que más os gustan (podéis poner los títulos o simplemente los números del listado que sigue). Podéis indicar tantas canciones como os parezca.
Yo por mi parte he elaborado mi propia lista y me quedo con: Ramito de Violetas, Bogoroditse Dievo, Centro de Gravedad Permanente, Rasputin, What´s in a kiss, Viva Italia, Ni una sola palabra, La funcionaria asesina, Moshimo, Do you know the way to San Jose, Susanita tiene un ratón, New York New York, Blue eyes blue, los himnos de DDR y Bulgaria, Yo tengo un gozo en el alma, Libre y Ave Maria.
