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viernes, 19 de febrero de 2016

Grandes álbumes vocales: "Take 6" (1988)

Hacía tiempo que no retomaba la serie de grandes álbumes vocales y lo voy a hacer hoy con el primer álbum publicado por la excepcional banda a capella Take 6.



Hoy en día proliferan por todas partes las bandas a capella, pero allá por 1988 resultaba de lo más extravagante que un grupo de cantantes se dedicara a cantar sin acompañamiento instrumental, fuera de lo que es el mundo de la música coral clásica.

Por supuesto que no fueron los primeros en hacerlo, pero sí los primeros en conseguir fama mundial además del reconocimiento unánime de la crítica musical.

Ese mismo año de 1988, sin ir más lejos, el genial Bobby McFerrin, un pionero de la música vocal a capella, pero en solitario, no como grupo, lograba un éxito masivo con el álbum "Simple Pleasures", que incluía el archiconocido "Don´t worry be happy", que ya hemos traído alguna vez a este blog.

Take 6 era un grupo revolucionario porque partiendo de la tradición de los grupos de gospel vocal, combinaba influencias de la música coral y la música barbershop y les daba una vuelta de tuerca más con unos endiablados arreglos inspirados en el jazz y cantando nada menos que a 6 partes.

Además resultaba un grupo muy divertido. En este disco con el que debutaron nos presentan nada menos que varias escenas sacadas de la Biblia (Take 6 es un grupo declaradamente evangélico), como en "Mary don't you weep", "Get away, Jordan" o "David and Goliath", y son sin duda algunos de los mejores momentos del disco, tanto por la calidad de los arreglos y el fabuloso empaste de las voces, como por el sentido del humor que destilan las interpretaciones.



Este disco supuso el aldabonazo que colocó a Take 6 en el mercado musical internacional y llamó la atención del afamado productor Quincy Jones, quien se encaprichó con ellos, los reclutó para participar en el megahit "Back on the Block" y les produjo su segundo álbum "So Much 2 Say", que también es un álbum excelente pero al que yo colocaría un peldaño por debajo del álbum de debut.

Y os preguntaréis ¿por qué pongo el álbum de debut por encima del resto de los álbumes de la carrera de Take 6?
Pues porque con todo lo bueno que he dicho que contiene el álbum, grabado en un momento en el que yo creo que la banda había alcanzado ya su máximo nivel de calidad y de creatividad, además este disco contiene dos joyas indiscutibles bajo mi punto de vista, que son "If we ever needed the Lord before (we sure do need Him now)" y "A quiet place".

La primera es un himno religioso con una energía sumamente contagiosa que se mete en tu cabeza y puede estar dentro semanas. La segunda es una maravilla de equilibrio y sensibilidad. Los arreglos de ambas canciones se deben a Mervin Warren, el primer miembro en abandonar la banda tres años más tarde para emprender una carrera de la que ya hemos hablado aquí en alguna ocasión.

Aquí les tenemos, un año antes, en 1987, cuando el grupo aún no se llamaba Take 6 sino Alliance, interpretando "If we ever".



Y aquí la versión del álbum de "A quiet place", con la transcripción de las 6 voces a partitura.







jueves, 8 de octubre de 2015

Sister Act - el Musical: Ha nacido una estrella

Y esta estrella se llama Mireia Mambo Bokele.



Hace unos días tuve finalmente la oportunidad de asistir a la representación del musical Sister Act en su versión española.

Creo que todo el mundo conoce el argumento de la película: una cantante de night club que es testigo de un asesinato y se esconde de sus perseguidores en un convento. Allí convierte el aburrido coro de la congregación en un coro vibrante y exitoso. 

La película era muy divertida y el musical también. El contraste entre el estilo de vida de la cantante y el de las monjas proporciona un montón de situaciones divertidas. Simplemente ver a las monjas correr de un lado para el otro ya nos produce una sonrisa.

Pero además la música tiene un papel aún más importante que el humor. En la película el coro hacía versiones corales sorprendentes de canciones conocidas del soul adaptándolas a la temática monjil. En Sister Act 2 se potenció aún más el aspecto musical contratando a Mervin Warren de Take 6 para las adaptaciones de las canciones y a Lauryn Hill como la alumna conflictiva que descubre su talento como cantante.

El musical hace tabla rasa de todo esto. Se componen canciones totalmente nuevas y originales y el encargado de ello es nada menos que el legendario Alan Menken, compositor de todas esas canciones maravillosas de las películas de Disney. Aquí os traigo un video del propio Alan Menken cantando un puñado de esas canciones (tiene muchas más).




La música de Sister Act el musical es, como no podía ser de otra manera, fantástica, pero la verdadera sorpresa al ver el montaje de la obra en España es la protagonista Mireia Mambo Bokele, una artista que reúne en mi humilde opinión todo lo que es necesario, energía, simpatía, carisma, voz, técnica vocal, capacidad para el baile, para convertirse en una gran estrella de la escena musical.

Mireia consigue que durante la obra no nos acordemos ni una sola vez de Woophi Goldberg.


Os traigo también un link a una entrevista en la que la propia Mireia nos cuenta cómo empezó su carrera musical y sus primeras experiencias en el teatro musical, tanto en Londres participando en el montaje de "Charlie y la fábrica de chocolate" como después en España con la aclamada "El rey león".




martes, 20 de enero de 2015

Dos grandes de la música vocal dicen adiós: Andrae Crouch y Ward Swingle

Estimados lectores, hemos comenzado el 2015 con mal pie perdiendo a dos personas que cambiaron, cada una a su manera, nuestra forma de entender la música vocal: Andrae Crouch y Ward Swingle.

De Ward Swingle ya hemos hablado en este blog en otra entrada. Fue un visionario que acercó el mundo de la música coral al del jazz, creando a los legendarios Swingle Singers, un grupo legendario cuya huella se transmite de generación en generación en formaciones acapella como The Real Group, The Kings Singers, etc, etc.

Ward Swingle en sus últimos tiempos

La idea genial que tuvo Ward Swingle fue recrear varias obras de Bach empleando solo voces haciendo de instrumentos y todo ello a ritmo de jazz. Si habéis escuchado alguna pieza del famoso álbum "Johan Sebastien Jazz" de los Swingle Singers entenderéis por qué digo que es genial.


Más tarde los Swingle Singers derivarían en un grupo más pop, más acorde con el devenir de los tiempos, haciendo una música siempre magnífica, aunque perdiendo un poco este encanto de la formación original de los años 60.

Y cambiando de estilo musical, el mundo del gospel se encuentra también de luto desde el pasado día 8 de Enero por el fallecimiento de uno de sus más grandes representantes, el cantante, compositor, arreglista y director de coros de góspel Andrae Crouch.


Andrae Crouch nació en San Francisco, California, y fue un niño prodigio que a los once añitos ya acompañaba al piano en las celebraciones de las misas de su congregación.

A los 18 años ya había creado su propio grupo musical, los "Church of God in Christ Singers", cuya formación incluía a un joven Billy Preston como teclista. A través de este grupo Andrae Crouch dio a conocer su canción más emblemática "The Blood will never lose its power", escrita cuando tenía solo 15 años.

Aquí lo tenemos cantándola con una de las sucesivas formaciones que creó a lo largo de su extensa carrera musical, siempre de la mano de su hermana melliza Sandra Crouch.


Los arreglos que Andrae Crouch hacía sobre los tradicionales temas de la tradición del gospel eran revolucionarios en el sentido de que los acercaban al jazz y a la música pop. Eso hizo que sus grupos gozaran siempre tanto del respeto de la crítica como del favor del público (aunque también había puristas del góspel que no lo miraban con buenos ojos).

Andrae y Sandra Crouch tuvieron una relación de amistad muy estrecha con el gran Michael Jackson, quien enriqueció alguna de sus canciones más celebradas con el sonido inconfundible de los Andre Crouch Singers, como en esta joya que todos conocemos, "Man in the Mirror", perteneciente a al bastante infravalorado álbum "Bad" de Michael Jackson. Solo por esos coros haciendo "Oh yeah" ya merece la pena recordar este álbum.




jueves, 23 de octubre de 2014

Los seguidores más fanáticos de Jaimina Johnston arremeten duramente contra "Mystic Tree"

Queridos seguidores de este blog de música vocal. Hoy os traigo una noticia que me ha sorprendido mucho. Resulta que tras el lanzamiento del último álbum de Jaimina Johnston, titulado "Mystic Tree", del que ya hicimos una breve reseña en su momento, han surgido una serie de voces, yo no sé si podríamos llegar a llamarlo un "movimiento" de fans acérrimos de la cantante, que se quejan en las redes sociales de que en este nuevo disco "¡¡se oye poco a Jaimina Johnston!!".

Al principio, la verdad es que me he quedado atónito, casi hasta me ha parecido una broma, pero luego recapacitando, me he dado cuenta de lo que pueden querer decir estas voces.

Efectivamente, el nuevo álbum de la artista, ya nos habían avisado, se aparta un poco de los anteriores en el sentido de que hay varios temas en los que las voces están acompañadas por instrumentos, algo que la banda de la cantante había llevado a cabo de forma muy aislada en discos previos (recordamos por ejemplo la versión de "Desenchantée" -en el álbum debut "So Many Songs"-, el "They won't go when I go" con su acompañamiento de piano -en "So Little Time"- algunos momentos del álbum en vivo "Live in Japan" o la pequeña joya gospel "Tu Palabra me da vida" en el álbum "Pray").



En Mystic Tree podemos escuchar varios temas con instrumentos y además hay otro dato que yo había pasado por alto: sucede que incluso en algunos de los temas a capella la voz de Jaimina se incorpora relativamente tarde a la canción, después de que hayan cantado ya otras voces, como por ejemplo en "The last that ever she saw him" o en la versión de "Segalariak" del maestro Elberdin.

Juntamos esto con el hecho de que en este disco el equilibrio sonoro entre las voces está más repartido que nunca y ya tenemos el lío y el porqué del enfado de algunos fans.

A mí personalmente no me molestan lo más mínimo estas novedades en la música de Jaimina Johnston pero, como digo, hay gente que no piensa de la misma manera.







domingo, 12 de octubre de 2014

"Living Water": puro gospel desde el mismísimo Madrid

Queridos seguidores del blog de música vocal:

Siempre había pensado que para hacer auténtico gospel era imprescindible ser negro y vivir en USA. Recientemente he descubierto un grupo que me ha sacado de mi error.

Se llaman Living Water, son españoles y vienen desde Madrid.




La música gospel es una forma de música eminentemente vocal que sigue unos códigos propios muy característicos que la llevan a diferenciarse de la música coral que habitualmente escuchamos por estas latitudes.

Esto hace que cuando escuchamos interpretar piezas de gospel a coros de por aquí, independientemente de que puedan ser coros de una calidad intachable, sentimos siempre que "nos falta algo".

Una de las cosas más distintivas del gospel es la implicación religiosa o al menos espiritual de los cantantes. Para hacer buena música gospel, mucho más importante que dar las notas perfectas es que las voces "sientan" lo que están cantando, que se impliquen en el significado de los versos y en el objetivo último de este tipo de música, que es pregonar la "Palabra de Dios".


De ahí esas túnicas, que no sólo sirven para dar color al escenario y para igualar a los cantores, también nos transportan de inmediato a lo que es una liturgia, una celebración religiosa.

Eso no es incompatible con que la celebración sea algo divertido, emocionante y vibrante, y que animados por el entusiasmo de los cantantes, los espectadores terminemos siempre dando palmas y bailando desde nuestras localidades.




El grupo Living Water muestra todo este entusiasmo y compromiso en el escenario, pero quizás lo que más me ha impresionado al verlos actuar es todo el "oficio" que tienen a la hora de aprovechar los recursos musicales tradicionales de la música gospel, como las trabajadas coreografías, los cambios de ritmo y de tempo, los juegos de canto y respuesta entre solista y coro, los interesantes arreglos armónicos de las voces, la perfecta sincronía con el grupo instrumental que los acompaña, la capacidad de coger un tema e ir añadiendo cada vez más  y más tensión, o por el contrario sorprender al oyente con un cambio súbito de registro, etc, etc.

Otro aspecto a resaltar es la cuidada pronunciación del inglés, un aspecto que siempre le cuesta garantizar a otras formaciones vocales españolas (y no doy nombres).

Todo esto consigue que hasta el espectador más reticente acabe por contagiarse de la pasión y el "buen rollo" del coro.
Os pongo una actuación de Living Water grabada hace 4 años en el teatro Haagen-Dazs de Madrid.



Y un video promocional del grupo, en el que hablan Susana Fernández y Samuel Alvarez, que junto con el británico Paul Gordon son los impulsores del grupo desde su creación en el año 2007.



Y aquí algunas direcciones de interés sobre Living Water.









viernes, 28 de junio de 2013

The Manhattan Transfer: leyenda viva de la música vocal

El año pasado cumplieron 40 años desde su fundación y continúan paseándose por los escenarios de todo el mundo. Tomaron su nombre de la novela homónima de John Dos Passos, pero el extraordinario talento y la conjunción de sus voces los llevaron tan alto que terminaron siendo mucho más famosos que el libro que los inspiró.



Manhattan Transfer lo componen Tim Hauser (el calvito), Janis Siegel, Alan Paul y Cheryl Bentine  (la pelirroja), (esta última entró en lugar de Laurel Massé, quien dejó el grupo tras un grave accidente de tráfico) y son una leyenda por muchos motivos: en primer lugar porque han cantado todos los estilos, desde el swing al pop, pasando por el gospel, el doo-dowop, el be-bop y el vocalese (estilo que consiste en poner letra a estándares del jazz instrumental).

En segundo lugar por su extraordinaria longevidad como grupo, algo difícil de conseguir y que se debe sin duda a la ausencia de divismos dentro del grupo y a su inagotable entusiasmo por la música vocal.

Durante su larga carrera han gozado de un merecido reconocimiento, tanto por parte de la crítica como del público de todo el mundo. Su momento más brillante tuvo lugar en los años ochenta, cuando publicaron varios álbumes magistrales como "Bodies and Souls", "Brasil" o "Vocalese" (este último recibió nueve nominaciones a los premios Grammy en 1985.




Son también especiales porque se desenvuelven tan bien cantando a capella como acompañados de un set instrumental. Como decíamos más arriba, la amplitud de su registro es enorme, y además los que hemos tenido la fortuna de escucharlos en vivo podemos dar fe de que sus voces en directo no pierden ni un ápice de la calidad que destilan sus grabaciones.

Aquí los tenemos cantando una versión prodigiosa del estándar de jazz que hiciera famoso Woody Herman y su orquesta: "Four Brothers". Ya me gustaría ver a otros grupos vocales más "finos" cantando con este sentido del ritmo.




Este otro vídeo tan simpático corresponde a una versión de un tema del cantante y compositor brasileño Djavan "Soul food to go" ("Sina" es el título del original en portugués). Cuando lo veáis os recordará a aquellos tiempos de los años ochenta cuando los vídeos de la MTV lo eran todo.




lunes, 1 de abril de 2013

¡Dionne Warwick en bancarrota!

Nos acabamos de enterar que la legendaria cantante estadounidense Dionne Warwick, agobiada por las deudas con la hacienda de los USA, se ha declarado en bancarrota.

Le debíamos una entrada en este blog a esta cantante, que en la actualidad cuenta 72 años de edad y cuya carrera profesional se extiende a lo largo de más de cincuenta años.

El estilo vocal de Dionne Warwick es único por su sutileza y su elegancia, aunque tampoco está desprovisto de fuerza cuando es preciso. Los orígenes de su carrera se encuentran en el gospel, aunque pronto abandonó la música negra para convertirse en una de las cantantes de pop de mayor éxito en los años 60 de la mano del dúo Bacharach y David, compositor y letrista que le proporcionaron la mayor parte de sus éxitos.

Canciones como "Walk on by", "Don't make me over" o "Do you know the way to San Jose" son algunos de los hits de su larga carrera. También es un hecho curioso que algunos de sus mayores éxitos fueron luego objeto de versiones que llegaron a superar el éxito cosechado por Dionne, como en el caso de "Say a little prayer" o "(They Long to be) Close to you", en versiones de Aretha Franklin o los Carpenters, respectivamente.

También Dionne Warwick ha realizado algunas versiones de éxitos ajenos, dotándolas de su inconfundible personalidad, como esta versión sencillamente sublime del "All in love is fair" de Stevie Wonder.


Tras romper su asociación con el tándem Bacharach-David, su carrera pasó al ostracismo durante buena parte de los años 70, pero como todo lo bueno vuelve, en la década de los 80 resurge con nuevos álbumes y nuevos éxitos, entre los que destacan "Heartbreaker" compuesta para ella por los Bee Gees y el megahit "That's what friends are for", escrita por Bacharach y Carol Bayer Sager para Dionne, Gladys Knight, Elton John y Stevie Wonder, canción benéfica a favor de los enfermos de SIDA, en un momento (año 1985) en el que esta epidemia se encontraba en pleno apogeo.




Resulta paradójico y bastante triste que una artista que es conocida por haber dedicado gran parte de su trabajo a fines benéficos sea ahora perseguida sin piedad por Hacienda, por mucho que deba no sé cuántos millones de dolares y aunque seguramente no habrá sido muy cuidadosa con sus dineros.
El lado positivo es que ahora igual se anima a salir de gira y la podemos ver por Europa.

Y si el anterior vídeo os ha parecido emotivo, os reto a que veáis y escuchéis sin echar la lagrimita esta otra versión de la misma canción, pero ahora con la presencia de dos artistas ya desaparecidos, Luther Vandross y Whitney Houston.





sábado, 23 de febrero de 2013

Albumes míticos: "Extension of a man" de Donny Hathaway

Artista polifacético, compositor, multiinstrumentista y fenomenal cantante, Donny Hathaway es considerado por muchos críticos musicales como uno de los mayores genios de la música popular. Es también uno de los más infravalorados y resulta generalmente poco conocido por el gran público. Y por eso mismo nos encanta traerlo a este blog.

Nacido en Chicago en 1945, fue criado por su abuela, una cantante profesional de gospel, quien lo introdujo en el coro de la iglesia a temprana edad. Más tarde recibió formación académica musical en la Howard University de Washington DC, donde trabó amistad con la también cantante Roberta Flack, con la que compartiría años más tarde los momentos de mayor éxito de su carrera musical.



A pesar de su extraordinario talento, Donny Hathaway no tuvo una vida feliz; en primer lugar porque siempre se sintió minusvalorado por el público y le costó largos años de carrera en un segundo plano de instrumentista y arreglista hasta llegar a alcanzar en sus últimos años el merecido estatus de estrella musical.

La segunda razón de su infelicidad eran sus problemas mentales, los cuales le llevaron a ser diagnosticado de una esquizofrenia paranoide y precisar medicación de forma regular.

 A pesar de todo, Donny Hathaway alcanzó finalmente el éxito popular, sobre todo a través de una serie de encantadores duetos con su amiga Roberta Flack, como "The closer I get to you" y "Where is the love", obteniendo por esta última canción su único premio Grammy en 1973.

Lamentablemente, el 13 de Enero de 1979, la enfermedad mental le ganó finalmente la partida a Donny y se arrojó por la ventana del Hotel Sussex de Nueva York.

Aunque su legado musical no es muy grande, apenas grabó cinco álbumes de estudio, algunos de sus trabajos son magníficos y su influencia perdura en el tiempo.

El álbum "Extension of a man" (1973), producido por Arif Mardin, se considera justamente una obra maestra, conjugando estilos musicales que van desde la música sinfónica al jazz, pasando por el gospel, el soul, el pop...


Desde la obertura instrumental "I love the Lord, He heard me cry", con influencias de Debussy, Ravel y Stravinsky, se advierte la enorme ambición de este álbum.

Seguidamente, Donny canta "Someday we'll all be free", una hermosa balada con toques de jazz que se ha convertido justamente en un estándar y también en un himno de la comunidad negra ("algún día todos seremos libres"), si bien el letrista de la canción, Edward Howard, declaró que escribió la letra expresando el deseo de que Donny se liberara de los problemas que lo torturaban (y que a la postre lo llevaron a terminar con su vida).


De esta canción se dice que el propio Donny Hathaway se echó a llorar cuando escuchó por primera vez la mezcla final de la grabación.
El resto del álbum es igualmente excepcional, sin apenas momentos en los que disminuya la intensidad; "Valdez in the country" y "Flying easy" son dos cortes cercanos al jazz, mostrando el virtuosismo del propio Donny a los teclados y del resto de un excepcional grupo de músicos que incluye gente como Stanley Clarke, Cornell Dupree, Willy Weeks, Fred White o Cissy Houston.

Lo más increíble del disco en mi opinión es que resulte accesible y "entendible" para el público en su sentido amplio, a pesar de los niveles brutales de experimentación que recorren todo el álbum, como el ya comentado primer tema de estilo cuasi-sinfónico o el tema de baile a ritmo 5/4 "Come little Children".

El elemento vertebrador de todo este catálogo de influencias y estilos es la voz inconfundible de Donny Hathaway, forjada en la tradición del gospel y que nos pone la carne de gallina en el tema que cerraba originalmente el álbum "I know it's you".


Si os interesa saber más de este genio de la música, no dejéis de visitar esta página web.

sábado, 9 de junio de 2012

Recordando grandes álbumes vocales: "Amazing Grace" by Aretha Franklin

Volviendo otra vez la vista atrás en busca de aquellos discos que guardo en mi colección como joyas preciosas, hoy os traigo nada menos que el álbum de gospel más vendido de la historia, un trabajo que cumple este año su 40 aniversario.

Se trata de "Amazing Grace", un legendario álbum doble en el que Aretha Franklin, la VOZ con mayúsculas de la música soul, rendía tributo a la música gospel, es decir, a sus orígenes, ya que como todos sabemos la carrera musical de Aretha Franklin nace en los coros de iglesia de su padre, el reverendo C.L. Franklin, un personaje muy influyente en la comunidad afroamericana de los años 60, apodado "La voz del millón de dolares" y uno de los confidentes de Martin Luther King.



Estamos a principios de los setenta y Aretha Franklin se ha convertido en la cantante de soul número uno indiscutible tras encadenar éxitos como "Respect", "Chain of fools", "A natural woman", "Say a little prayer" o "Think". El reto que se plantea ahora es volver a sus raíces y grabar en vivo el mejor álbum de gospel de la historia.

Para ello, reúne los talentos del Southern California Community Choir, dirigido por James Cleveland, con el mismo equipo de músicos de sus discos de soul de la compañía Atlantic, así como los reputados productores Jerry Wexler y Arif Mardin, junto con la voz del reverendo Franklin para las introducciones y los discursos de los interludios, y todo ello además registrado no sólo en audio, sino también grabado por un equipo de cine encabezado por el director Sidney Pollack.

El resultado es un compendio de más de 80 minutos de maravillosa música gospel, vibrante, auténtica, que nos trasporta mentalmente a aquellos años difíciles en los que la segregación racial todavía estaba muy presente en Norteamérica y en los que la música constituía uno de los medios más eficaces para conseguir la unidad de la comunidad negra.

Si no habéis oído nunca este álbum, os recomiendo vivamente que os hagáis con una copia, y os dejéis llevar por la voz de Aretha, su asombrosa variedad de registros vocales, su dominio inigualable del ritmo y su fuerza expresiva. También por la poderosa banda instrumental y por las complejas armonías corales.
Además, tenemos también la oportunidad de comprobar el gran talento (aunque no tan conocido) de Aretha Franklin al piano.

Por desgracia, la filmación del concierto nunca llegó a las pantallas y permanece inédita en alguna estantería, a la espera, según las malas lenguas, de que se produzca la desaparición de la ahora añosa cantante, y aprovechar así para realizar un lanzamiento masivo del DVD.

Mientras tanto, disponemos del trailer de la película, incluyendo extractos de uno de los mejores temas del álbum "How I got over".


 Es sin duda un álbum para escuchar de un tirón, sin cortes que nos impidan sumergirnos en ese ambiente de misa gospel de iglesia norteamericana años 70. Yo me trago hasta los parlamentos del reverendo Franklin.
Las canciones son tan buenas cuando son lentas, meditativas ("Wholy Holy" o el tema que da título al álbum), permitiendo a la cantante expresar toda su sensibilidad, como cuando son rápidas y emplean el típico estilo frase-respuesta de la música gospel, como en la demoledora "The Old Landmark", una de mis favoritas.



 Tras "Amazing Grace" la carrera de Aretha Franklin pierde algo de protagonismo, a pesar de la publicación en 1973 de un álbum magistral "Hey Now Hey (The Other Side of the Sky)" producido por Quincy Jones. Más tarde, en los años 80, su estrella vuelve a recuperar parte del brillo, y desde entonces conserva su puesto bien ganado como leyenda del soul de todos los tiempos.







martes, 14 de febrero de 2012

Whitney Houston: la cantante que lo tenía todo

Anteayer se conoció la triste noticia del fallecimiento de la extraordinaria cantante Whitney Houston.

Whitney, que tenía actualmente 48 años, había disfrutado en el periodo dentre 1985 y 1999 del mayor éxito conocido por cualquier cantante femenina de la historia de la música pop, encadenando una lista increíble de 25 números uno, muchos de ellos convertidos en auténticos himnos, como "I wanna dance with somebody", "Didn't we almost have it all", "One moment in time", "The greatest love of all" o la banda sonora de la película "El guardaespaldas", conteniendo el megahit "I will always love you".

Withney Houston no sólo consiguió el éxito, ella encarnaba el éxito, y su forma de cantar no sólo era imitada por todas las cantantes del mundo, era el estándar de la excelencia vocal. Además era guapísima, podía ejercer de modelo y era una actriz más que decente.

¿Cómo es posible que su historia tuviera un final tan desgraciado, con la caída en la adicción a las drogas y el evidente deterioro de su voz, por no hablar de su imagen?
Sería demasiado simplista decir que todo se debió a un matrimonio desafortunado o a las malas compañías y es probable que también haya tenido algo que ver la enorme presión de verse convertida en la novia de America y el producto número uno de la industria discográfica

Ahora que ha desaparecido nos tendremos que conformar con disfrutar de su legado, la fuerza de su voz, que bebía indudablemente de las fuentes del gospel, en cuyo seno se crió. No en vano era hija de Cissy Houston, una afamada cantante de gospel, su prima era la sublime Dionne Warwick y Aretha Franklin había ejercido de madrina en su bautizo.

A modo de homenaje os traigo una de mis actuaciones favoritas, cantando el himno americano en la final de la Superbowl del año 1991.




¿No se os ponen los pelos de punta?