Hoy traemos a este blog el Vocalese, una forma de cantar muy particular que consiste en poner letra a temas instrumentales de jazz. No resulta fácil cantar vocalese porque muchas veces son temas de be-bop con melodías muy complejas y notas muy rápidas así que interpretarlas correctamente y que la letra se entienda resulta todo un reto.
Eddy Jefferson es a menudo nombrado como el inventor del vocalese, aunque el propio cantante reconoce influencias de otros cantantes como Leo Watson o King Pleasure. En todo caso, las primeras formas de vocalese provenían de solos instrumentales conocidos de jazz a los que el artista les ponía letra, siempre de forma silábica (es decir una sílaba por cada nota, en contraposición al canto melismático en el que una misma sílaba ocupa varias notas). Era además muy habitual que la letra que se escribía sobre ese solo fuera un homenaje al instrumentista en cuestión, como por ejemplo en esta versión vocalese que hace Eddy Jefferson sobre el tema "Body and Soul" del saxofonista Coleman Hawkins.
Posteriormente la cosa se fue complicando más con la aparición de grupos que realizaban versiones vocalese de secciones instrumentales completas, es decir, vocalese a varias voces. Seguramente los representantes más conocidos de esta forma de hacer vocalese son el trío Lambert, Hendricks and Ross, cuyo primer álbum tuvo gran éxito haciendo versiones increíbles de temas de Count Basie.
Otros artistas habitualmente relacionados con el vocalese son Manhattan Transfer, de los cuales ya hemos hablado alguna vez en este blog, y en Europa Les Double Six o los Swingle Singers.
También solistas reconocidos en otros estilos como el añorado Al Jarreau, del que os traigo esta preciosa versión del tema "A remark you made" del grupo de jazz Weather Report. Un ejemplo de que no siempre el vocalese supone ritmo y velocidad, sino que también se puede aplicar a temas lentos como este, que cada vez que lo escucho acabo con la lagrimita en el ojo.
Nuestra artista favorita Jaimina Johnston también nos ofreció su particular e inconfundible visión del vocalese en esta versión del tema de jazz "Rafaelito Blues" de su último álbum "Beating Heart". En él Jaimina y su grupo han escrito sobre la música una letra evocando tiempos mejores y la pasión por la música en cualquiera de sus formas. Todo un lema al que nos adscribimos ahora mismo desde este blog.
Queridos seguidores de este blog, hoy os traigo uno de los mejores álbumes de un personaje que, más que uno de los mejores músicos de la historia, yo diría que se trata de un auténtico Dios (así con mayúsculas) de la Música. Hablamos de... Stevie Wonder.
Se me acaban los adjetivos con este legendario artista y me declaro incapaz de comentar su obra desde la más mínima objetividad. Para mí, la mayoría de los álbumes de Stevie Wonder son tan buenos que no pueden ser simplemente escuchados sino que lo justo sería ponerse de rodillas y directamente adorar su música.
Quería traer desde hace tiempo alguno de sus álbumes a esta serie de Grandes Albumes Vocales, pero me ha costado decidirme porque seis o siete de ellos se colocan por derecho propio entre los mejores discos de música popular de la historia. Decir esto de otros artistas podría ser exagerar, pero con Mr Wonder esto es quedarnos en realidad un poco cortos.
Podía haberos traído "Talking Book", "Innervisions", "Fulfillingness First Finale" o "Songs in the Key of Life", que son OBRAS MAESTRAS INCONTESTABLES para cualquier crítico musical.
Sinceramente creo que "Music of my mind" es un disco igualmente impresionante, solo que menos conocido para el gran público.
Además, la forma revolucionaria en la que Stevie trata la voz en este álbum lo hace especialmente interesante para nuestro blog de música vocal.
La carrera de Stevie Wonder había comenzado, recordémoslo, muy pronto. Ya con 12 años consigue su primer número uno con "Fingertips", donde demuestra una apabullante precocidad musical, especialmente con su dominio de la armónica.
Pero muy pronto empieza a revelar un enorme talento para la composición musical. Entre los 16 y los 19 años de edad escribe algunos hits que a día de hoy son standards, como "Uptight", "I was made to love her" o "My cherie amour". Al mismo tiempo establece sus credenciales como uno de los cantantes de soul más prometedores.
La mayor parte de su obra en esa época juvenil en la compañía Motown es deslumbrante, si bien la producción musical resulta un poco trasnochada a día de hoy en cuanto a sonido y arreglos.
Cansado de las imposiciones de la compañía, a los 21 años decide tomar las riendas de su carrera artística. Con el álbum "Where I'm coming from", consigue ya cambiar la dirección de sus textos hacia una temática más madura, pero la música continúa "sonando a Motown".
Para el siguiente álbum, Stevie rompe totalmente con todas las normas. Emigra a Nueva York y alquila el estudio de grabación Electric Lady (fundado por Jimmy Hendrix). Además traba contacto con los productores Malcolm Cecil y Robert Margouleff. Este encuentro resulta crucial, porque son estos quienes le empujan a experimentar con la música electrónica y los sintetizadores, algo radicalmente innovador en aquella época, y más aún para un músico de soul.
En 1972 Stevie Wonder es un joven de 22 años que pasa todas sus horas encerrado en el estudio, experimentando incansablemente con todo tipo de sonidos de sintetizador y con los géneros musicales más diversos. El resultado de aquellas interminables horas de experimentación es un álbum que va a cambiar la historia: "Music of my Mind".
Ahora pinchad el siguiente enlace y escuchad el álbum completo (a ser posible con el volumen bien alto).
Ya desde los primeros acordes del tema que abre el disco "Love having you around" los oyentes de aquel año 1972 fueron conscientes de que se trataba de un sonido totalmente nuevo.
La forma en la que Stevie Wonder emplea aquí la voz es revolucionaria, mediante frases cortas ("Please!", "Ma-ma-ma-my baby", "Baby, baby, baby", "Listen, baby!"), que van puntuando rítmicamente la línea solista, haciendo diferentes contramelodías, jugando con la panoramización de las voces y con diferentes procesamientos de la voz, como un empleo del vocoder que es espectacular.
"Love having you around" establece el paso de Stevie Wonder del soul al funk, una música híbrida de jazz, soul y rock, caracterizada por su ritmo cadencioso, con líneas de bajo prominentes y esquemas circulares de composición, una música en la que cabe todo y que persigue una sonoridad deliberadamente "sucia", transgresora y provocadora.
Después de más de siete minutos de puro optimismo "funk", Stevie nos deleita con un tema de jazz titulado "Superwoman", una maravilla en la que destacan con luz propia los deliciosos arreglos vocales y en la que aborda uno de sus temas favoritos, los conflictos de pareja.
Sin bajar el listón de calidad, el tercer tema titulado "I love every little thing about you" es también uno de los mejores temas jamás grabados por el artista. Aquí emplea de manera magistral la percusión vocal, anticipándose en años a corrientes de artistas como Bobby McFerrin o Al Jarreau en el empleo de este recurso.
El resto del álbum mantiene el mismo nivel y continúa el carrusel de estilos musicales, blues en "Sweet little girl", folk en "Happier than the morning sun", ambient-jazz en "Seems so long" y de nuevo funk en "Keep on running". La coctelera de Stevie Wonder puede con todos los ingredientes y además los combina en progresiones armónicas totalmente inéditas, como en una de sus mejores composiciones "Girl blue".
El álbum concluye con "Evil", un espectacular himno dirigido nada menos que contra el Mal (así, con mayúsculas), con clara influencia del gospel pasado por la sonoridad del sintetizador Moog.
En una de las interpretaciones vocales más vigorosas de su carrera, Stevie Wonder cierra el disco por todo lo alto haciendo gala de su legendaria capacidad vocal con un do sostenido de pecho (literal).
Cuando este disco salió al mercado los críticos se quedaron atónitos, pero el impacto solo duró hasta unos meses más tarde, cuando Stevie Wonder saca al mercado el álbum "Talking Book", que incluye "Superstition" y "You are the sunshine of my life"... Pero eso ya es otra historia.
Recordando los mejores álbumes vocales de la historia os traigo hoy un disco auténticamente imprescindible.
Se trata de un trabajo producido por el maestro Quincy Jones en 1989 que obtuvo la friolera de siete premios Grammy, para un total de 25 en toda su carrera profesional, que abarca desde los años 50 hasta la actualidad.
Es un álbum concebido para ser "lo más de lo más", una especie de resumen de la música negra de la segunda mitad del siglo XX, mezclando de una forma increíble el jazz, el hip-hop, la música electrónica, el soul, la música brasileña, el canto zulú, el gospel... A veces estos proyectos tan ambiciosos terminan siendo un desastre, pero la mano sabia de Quincy Jones consigue que el equilibrio del conjunto sea perfecto.
El listado de artistas que colaboran en el disco lo dice todo: Ray Charles, Chaka Khan, Dionne Warwick, Barry White, Luther Vandross, Siedah Garrett, Bobby McFerrin, Al Jarreau, Take 6, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, James Ingram, Al B. Sure, Tevin Campbell, el coro de Andrae Crouch y los raperos Ice-T, Big Daddy Kane, Kool Moe Dee y Melle Mel. Y en cuanto a instrumentistas aparecen nombre legendarios como Miles Davis, Dizzy Gillespie, Herbie Hancock, James Moody, Gerald Albright, George Benson, George Duke, Joe Zawinul o Sheila E. entre otros.
En cuanto a las canciones, el álbum rescata algunos temas antiguos como "Birdland" de Weather Report o "I'll be good to you" de The Brothers Johnson y los alterna con canciones nuevas, nacidas sobre todo del talento de Ian Prince, Siedah Garrett, Rod Temperton (autor de muchos éxitos de Michael Jackson) y el propio Quincy Jones.
El resultado es deslumbrante. Muchas veces se ha acusado a Quincy Jones de que sus producciones resultan demasiado perfectas, demasiado pulidas y de que algunos de sus discos tienen un sonido anticuado, con arreglos un poco empalagosos. Sin embargo, han pasado ya 23 años desde que saliera al mercado y este disco sigue manteniendo toda su fuerza y no nos cansamos de oír sus canciones.
Todos los cortes son espléndidos, pero ya que estamos en un blog de música vocal, vamos a recordar este "We B doin' it", interpretado rigurosamente a capella, con Bobby McFerrin actuando de bajo, Quincy Jones haciendo beatbox para crear la percusión, los coros de Take 6 y como solistas nada menos que Ella Fitzgerald, Al Jarreau ,Siedah Garrett y Sara Vaughan, demostrando que no hace falta usar instrumentos para hacer música funky.
En estos tiempos que corren, en los que las prisas se imponen y todo el mundo busca el éxito inmediato, resulta interesante analizar la carrera del cantante Al Jarreau.
Nacido hace 71 años en Milwaukee, Wisconsin, Alwin "Al" López Jarreau era el quinto hermano de una familia de seis, cuyo padre era predicador y cantante en una congregación adventista del séptimo día, y toda la familia cantaba en los conciertos de la iglesia.
Posteriormente estudió la carrera de Psicología y se especializó en rehabilitación de personas con problemas de drogadicción, alcoholismo, amputaciones o esclerosis múltiple. Se establecio en San Francisco, donde compaginó su trabajo de psicólogo con su afición nocturna de solista en clubs de jazz del área de San Francisco.
Durante este tiempo, formó parte de diversos grupos, incluyendo un trío de jazz con el posteriormente famoso teclista George Duke. A pesar del enorme éxito local y del indudable talento de Al Jarreau, este continuó con su trabajo de psicólogo durante largos años, sin decidirse a abandonarlo y dedicarse exclusivamente a su carrera de cantante.
Cuando finalmente lo hizo, el solista contaba ya con 27 años y aún tardaría ocho más en grabar su primer disco, "We got by". Durante todo ese tiempo de espera había comenzado a escribir sus propias canciones, en las que se reflejaba tanto el impacto espiritual de su trabajo como rehabilitador como una intensa influencia del mundo del jazz en el que se había movido.
Todos esos temas que había acumulado durante años eclosionaron tanto en "We got by", uno de los debuts discográficos más deslumbrantes de la historia de la música, como en "Glow", su segundo disco un año más tarde, en el que conjugaba de nuevo canciones propias de enorme calidad, con reinterpretaciones sorprendentes de temas ajenos como "Agua de beber" o "Your song"(de Elton John), temas que 30 años más tarde continúan siendo sus mejores tarjetas de presentación.
El estilo vocal de Al Jarreau es muy original, de una enorme riqueza creativa y sumamente versátil, fundiendo tendencias que van desde el scat jazz (a lo Jon Hendricks), al beatbox (como en su famoso "You don´t see me"), pasando por la música pop que le llevó a la fama con "Moonlighting"(tema de la serie Luz de Luna) o el megahit "We're in this love together" (del álbum millonario "Breaking away").
Además son evidentes sus raíces en el rythm'n blues y sus coqueteos con el funk. Se puede decir que Al Jarreau empezó su carrera discográfica tarde, pero que luego lo ha compensado con una producción prolífica que continúa hoy a sus 71 años (además de sus actuaciones en vivo).
Volviendo a sus dos primeros discos, que sentaron las bases de su personalísimo estilo y su prestigio como cantante de jazz, el enorme éxito en Europa y especialmente en Alemania le animó a realizar una gira por diversas ciudades germanas. La grabación de estos conciertos dio lugar a su tercer disco "Look to the rainbow", que para muchos es la quintaesencia del estilo Jarreau y que le granjeó su primer premio Grammy (como mejor vocalista de jazz).
Tenemos la fortuna de disponer de una grabación en youtube de varios de los temas que conformaron dicha gira. Os traigo su increíble versión del "Take five" escrito por Paul Desmond para el Dave Brubeck Quartet, con su inusual y distintivo ritmo de 5/4.
